jorge es una grande de la guitarra, de verdad. gran guitarrista y gran pedagogo, autor de bellísima música. perfecto el paralelismo entre la música antigua europea y la musica "popular" de latinoamerica gracias, pablo
Muchas gracias por esta entrevista. Gracias al equipo de Sextoorden y , cómo no, al maestro Cardoso. Para muchos de nosotros, la música de Cardoso en la guitarra sigue siendo algo que nos traslada a esos mundos estéticos en los que uno goza de la síncopa, la tonalidad, el baile, evocando tantas cosas.. Por razones profesionales (soy médico de familia en ejercicio, por lo que siento una especial sintonía con el maestro) he tenido que seleccionar mucho el repertorio a tocar con mi guitarra. Su famosa "Milonga" siempre estará entre las obras escogidas. Enhorabuena, Sextoorden.
Para alguien que no es músico pero que no concibe la vida sin ella, ésta entrevista no tiene desperdicio. Las reflexiones sesudas del maestro me mantuvieron atento hasta el final y quiero más... Altamente recomendable !!
¿Qué hay Jorgito? ¡Cuanto tiempo sin vernos! ¿Por donde andas? Nos conocimos en Madrid, cuando vivias por Gral. Ricardos y me carteaste agradecido, porque yo trabajaba en RN Clasica y emitia temas e interpretaciones tuyas, en un espacio dedicado a todas las guitarras: clasico, jazz, flamenco y como no, latinoamericano. Nos conocimos, nos tratamos una temporada, incluso un tarde me hiciste el honor de reunirte en mi casa, con amigos profesionales y nos interpretaste tu "Milonga", cuya grabacion guardo todavia. Pero desapareciste, me dijeron que te fuiste a Francia y nos perdimos. Supongo ya me habras identificado, lo que te ruego no desveles. Despues empece a seguirte por Intermet, pero no habia descubierto esta magnifica entrevista que me animó a enviarte, este mensaje, basicamente porque dices cosas muy importantes, que hay y me interesa recrear. Ya sabes que yo tambien le doy al analisis y la didactica. Me referiré solo a un par de cuestiones, de las muchas que provoca tu comunicacion. Eres muy calmo, pero muy provocativo. Veras. Al principio te refieres a los problemas entre escritura y lectura musical. Como tu bien dices, esto es un asunto ignorado en los Conservatorios clasicos (aunque las cosas estan cambiando, despues de muchas discusiones con los que defendemos libertad y recreacion interpretativa, por encima de sometimiento metrico a la partitura) y esto lo hacemos especificamente en generos como el jazz, el flamenco, o la bossa y por extension al folk clasico sudamericano, muy señaladamente el argentino, con sus interminables formas, que tu me demostraste en tu libro al respecto. Yo lo suelo explicar de la siguiente manera: Para empezar la PARTITURA no es mas que una simple clave, bastante tosca entre el pensamiento del compositor y lo que buenamente puede ir fijando simbologicamente en los pentagramas para que lo lean otros. Esta mas o menos conseguido en el mundo clasico (aunque advirtiendo que si te limitas a cuadrar como pone el papel, la interpretacion de los simbolos de una lectura, no estas interpretando nada, estas "ejecutando" a la musica a horca y cuchillo. Esto es especialmente cierto para interpretar musicas digamos "no academicas", como el jazz, el flamenco, la bossa y el clasico sudamericano. Cuando tu estabas tratando de justificar ese especial e intencionado desajuste para interpretar tus composiciones, que no puede recoger la partitura,solo te ha faltado pronunciar la palabra "swing" que es el desajuste melodico, , ritmico, y armonico, metricamente de cualquier interpretacion jazzistica, a tal estremo que este fenomeno se da tambien en el flamenco y le llaman "mecer el cante, el toque o el baile..." Artista flamenco que no sabe "meser" su cante, su toque o su baile, esta muerto y bien muerto. En Brasil pasa lo mismo con otro termino diferente pero sinonimo. Le llaman "balance". Si no sabes tocar una bossa, una samba... con "balance", despidete porque no te van a pedir que toqes en la vida nada... He aqui, como en tres culturas musicales de origenes completamente diferentes y a 5.000 kms de distancia, unas de otras, se ha llegado al mismo punto, con distintos terminos propios. Queria comentar tambien los criterios de Jorge Cardoso con la musica llamada falazmente "contemporanea", vago termino al que se acogen ahora, los que hasta hace poco se autollamaban con desmedido orgullo "vanguardistas", pero que se han pegado en la cabeza contra un muro (el muro de la Ley de la Resonancia del Sonido, que se estudia en primero de Teoria Musical) y por el que las vanguardias han ido a parar todas del estreno al archivo...¡Vaya un fiasco!). Este tema lo voy a desarrollar en un segundo comentario, proximamente, para orientacion de melomanos, incluidos la "vanguardia R.I.P". Sera divertido, aunque soy consciente de que me voy a meter en un avispero. Ahora solo les hare una invitacion audiovisual a todos, como pequeña muestra de lo que considero, particularmente, la tecnica musical mas avanzada y valida, de a lo que puede llegar hoy un musico bien instruido para tocar e improvisar sobre un tema que no habia oido nunca. Busquese simplemente la magnifica leccion practica que le da el guitarrista de jazz Wes Montgomery al pianista Pim Jacobs y su magnifico trio holandes, enseñandoles a tocar un tema "Man" que desconocian y aprenden a interpretarlo en un pis pas. Basta escribir en TH-cam los titulares dados. Que les sea leve y ¡Todo por la musica!
No tiene pérdida esta entrevista, Cardoso hablando como hay que hablar y de lo que hay que hablar cuando (como es el caso de él) se tiene mucho qué decir. Enhorabuena.
Si la música no le mueve alguna fibra al que escucha, sino le provoca algún sentimiento... entones ¿cuál es su función?. Los músicos deben saber de música, con más o menos conocimientos, el público tiene que poder disfrutarla, sin importar de dónde provienen, puede gustarle o no lo que escucha, Pero no puede pedirsele que necesite conocimientos avanzados y un diccionario para entenderla.
¿Qué hay Jorgito? ¡Cuanto tiempo sin vernos! ¿Por donde andas? Nos conocimos en Madrid, cuando vivias por Gral. Ricardos y me carteaste agradecido, porque yo trabajaba en RN Clasica y emitia temas e interpretaciones tuyas, en un espacio dedicado a todas las guitarras: clasico, jazz, flamenco y como no, latinoamericano. Nos conocimos, nos tratamos una temporada, incluso un tarde me hiciste el honor de reunirte en mi casa, con amigos profesionales y nos interpretaste tu "Milonga", cuya grabacion guardo todavia. Pero desapareciste, me dijeron que te fuiste a Francia y nos perdimos. Supongo ya me habras identificado, lo que te ruego no desveles. Despues empece a seguirte por Intermet, pero no habia descubierto esta magnifica entrevista que me animó a enviarte, este mensaje, basicamente porque dices cosas muy importantes, que hay y me interesa recrear. Ya sabes que yo tambien le doy al analisis y la didactica. Me referiré solo a un par de cuestiones, de las muchas que provoca tu comunicacion. Eres muy calmo, pero muy provocativo. Veras. Al principio te refieres a los problemas entre escritura y lectura musical. Como tu bien dices, esto es un asunto ignorado en los Conservatorios clasicos (aunque las cosas estan cambiando, despues de muchas discusiones con los que defendemos libertad y recreacion interpretativa, por encima de sometimiento metrico a la partitura) y esto lo hacemos especificamente en generos como el jazz, el flamenco, o la bossa y por extension al folk clasico sudamericano, muy señaladamente el argentino, con sus interminables formas, que tu me demostraste en tu libro al respecto. Yo lo suelo explicar de la siguiente manera: Para empezar la PARTITURA no es mas que una simple clave, bastante tosca entre el pensamiento del compositor y lo que buenamente puede ir fijando simbologicamente en los pentagramas para que lo lean otros. Esta mas o menos conseguido en el mundo clasico (aunque advirtiendo que si te limitas a cuadrar como pone el papel, la interpretacion de los simbolos de una lectura, no estas interpretando nada, estas "ejecutando" a la musica a horca y cuchillo. Esto es especialmente cierto para interpretar musicas digamos "no academicas", como el jazz, el flamenco, la bossa y el clasico sudamericano. Cuando tu estabas tratando de justificar ese especial e intencionado desajuste para interpretar tus composiciones, que no puede recoger la partitura,solo te ha faltado pronunciar la palabra "swing" que es el desajuste melodico, , ritmico, y armonico, metricamente de cualquier interpretacion jazzistica, a tal estremo que este fenomeno se da tambien en el flamenco y le llaman "mecer el cante, el toque o el baile..." Artista flamenco que no sabe "meser" su cante, su toque o su baile, esta muerto y bien muerto. En Brasil pasa lo mismo con otro termino diferente pero sinonimo. Le llaman "balance". Si no sabes tocar una bossa, una samba... con "balance", despidete porque no te van a pedir que toqes en la vida nada... He aqui, como en tres culturas musicales de origenes completamente diferentes y a 5.000 kms de distancia, unas de otras, se ha llegado al mismo punto, con distintos terminos propios. Queria comentar tambien los criterios de Jorge Cardoso con la musica llamada falazmente "contemporanea", vago termino al que se acogen ahora, los que hasta hace poco se autollamaban con desmedido orgullo "vanguardistas", pero que se han pegado en la cabeza contra un muro (el muro de la Ley de la Resonancia del Sonido, que se estudia en primero de Teoria Musical) y por el que las vanguardias han ido a parar todas del estreno al archivo...¡Vaya un fiasco!). Este tema lo voy a desarrollar en un segundo comentario, proximamente, para orientacion de melomanos, incluidos la "vanguardia R.I.P". Sera divertido, aunque soy consciente de que me voy a meter en un avispero. Ahora solo les hare una invitacion audiovisual a todos, como pequeña muestra de lo que considero, particularmente, la tecnica musical mas avanzada y valida, de a lo que puede llegar hoy un musico bien instruido para tocar e improvisar sobre un tema que no habia oido nunca. Busquese simplemente la magnifica leccion practica que le da el guitarrista de jazz Wes Montgomery al pianista Pim Jacobs y su magnifico trio holandes, enseñandoles a tocar un tema "Man" que desconocian y aprenden a interpretarlo en un pis pas. Basta escribir en TH-cam los titulares dados. Que les sea leve y ¡Todo por la musica!
Para hacer una valoracion de la llamada vanguardia musical a partir de la II postguerra, hay que hacer un poco de historia sobre nuestra cultura sonora occidental. Aunque los historiadores de la musica, nos hablan de esta, como una sucesion de estilos, en definitiva, de escuelas esteticas, Renacimiento, baroco, clasico, romantico, postromantico, impresionista, neoclasico, expresionista...etc. en realidad, los musicos, sabemos que la Historia de la musica, antes de ser una sucesion de etapas esteticas, sobre todo es una evolucion de sus elementos tecnicos y no solo desde el Renacimiento, hace unos cinco siglos, al que se le atribuye el origen del desarrollo instrumental, sino desde la himnodia griega y la salmodia judia, hace mucho mas de 2.000 años. Si incluimos los poemas de las epopeyas de Homero, que ya eran cantadas con acompañamiento de cuerda (kithara) o viento (aulós), en los albores de la literatura epopeyica, que es cuando empieza verdaderamente la conceptica de lo que hoy llamamos musica europea, entonces nuestra historia musical empezo hace la friolera de 2.800 años. Naturalmente no me voy a poner a contarles ahora semejante historia, porque resultaria un relato muy largo para este medio. Pero sÍ unos pocos datos, preferible de indole técnica muy sencilla que van a comprender todos los lectores. Lo primero que establecieron los griegos fueron unas estructuras escalisticas, muy sencillas de no mas de cuatro notas y ademas descendentes, no como ahora, que todas nuestras escalas son ascendentes (La antropologia cultural explica esta contraposicion porque loa griegos entendian que la musica venia de las musas o diosas de la Fabula y cualquier planteamiento escalistico tenia que venir del agudo al grave. En cambio para el cristianismo la musica eleva a Dios y por tanto habia que hacer las escalas ascendentes, Tales escalas griegas se llamaban "modos" y luego la Iglesia , llamo a las suyas "modos eclesiasticos" que no eran otra cosa que los griegos, pero invertidos, con un añadido errado, al no hacer la inversion fielmente, sino que confundio los grados de cada modo, resultando completamente descabalado el sistema griego, tanto desde sus significados originales esteticos, como de su denominacion. Por ejemplo, si el modo griego autentico "dorico" se llamo en el modo eclesiastico, "frigio", esto significo que las profundas observaciones psicologicas de Platon, considerando al modo dorico, propio para los resistentes, los sufridos, los soldados defensoresde la ciudad (como si dijeramos hoy, la marcial musica militar) al considerar la Iglesia a esa escala, en sus modos eclesiasticos, como modo frigio, que representaba todo lo contrario: edonismo, juerga... (como si dijeramos hoy, musica de discoteca), la Iglesia (los pobres monjecicos ignorantes que empezaron a desempolvar los legajos de la antiguedad, sin tener ni p. idea), se cargo de un plumazo la ciencia estetica musical de la Antigüedad, que habian ido estableciendo sabios como Pitagoras, Damon, Platon...desde hacia siglos. Inventados los modos, ya griegos, ya eclesiasticos, durante siglos no paso tecnicamente nada, hasta la invencion de la Polifonia en el siglo IX, por la que se descubrio el contrapunto de voces (varias melodias cantadas simultaneamente) y de rebote los origenes de la armonia (los acordes que diria un rockero tirao).Aunque el termino "armonia" es de origen griego, que significa, combinacion, el sentido armonico de los griegos no era de sonidos simultaneos, sino sucesivos para establecer sus modos en las liras. Esa simultaneidad nacio por primera vez en los claustros europeos como se ha dicho del s. IX y asi nos volvimos a pegar otra tanda siglos, sin avances tecnicos, aparte el establecimiento de lineas para escribir musica, hasta la llegada del Renacimiento con su eclosion instrumental, debida muy principalmente a ls cultura hispanoarabe, cosa que se ignora bastante, sobre todo precisamente en España, debido al trabajo de zapa antiislamica de la musicologia eclesiastica secular. Con el desarrollo del contrapunto, la armonia y las Formas musicales, se dio un notable avance en la composicion y la interpretacion hasta llegar a los grandes maestros del Barroco de tecnica sobrecargada. sucedido por el periodo clasico, mas equilibrado entre sentimiento y razon al que sigue el romanticismo que vuelve a una expresion mas temperamental, tras el que entramos en el conflictivo siglo XX, en el que surgen varias corrientes simultanes, mas enfrentadas tecnicamente que nunca: de una parte la escuela impresionista, que armonicamente sistematiza los intervalos de novena e incluso aporta las oncenas. Hay que explicar esto a los neofitos. Un acorde empieza a ser tal desde el momento que empieza a tener tres notas, que son los acordes mayores y menores, conocidos suficientemente por cualquier guitarrista aficionado. Si a esas tres notas (p.e. do, mi sol) le metes una cuarta por superposicion de tercera (do mi, sol, si ó si bemol) ya tenemos los acordes de septima. Esta era la armonia practicamente hasta el romanticismo., En el postromanticismo, Brahms y sobre todo Bruckner y tambien Mahler manejan las novenas (do, mi, sol, si, re), se sigue con las extensiones armonicas y Debussy y Rabel, llegan a establecer las oncenas (do. mi , sol, si, re, fa) incluso a convertir las oncenas en cuartas, lo que empieza a saturar los acordes, cromatizandolos. Y por ultimo llegan los neoclasicos (Stravinski, Milhaud, Messiaen) y añaden el acorde de trecena (do mi, sol, si, re , fa, la), que necesita unas orquestas gigantescas para poder hacer en la seccion de metales, semejantes acordes atronantes, como si quisieran que se desprendiera la lampara central de sus auditorios. Un inciso, no se por qué, se paro la extension de acordes en la trecena, porque si consiste en la superposicion de terceras, sin duplicar ninguna nota, TODAVIA SE LE PUEDE AÑADIR UNA OCTAVA NOTA AL ACORDE DE TRECENA QUE HARIA FUNCION DE "QUINCENA MENOR" PUES HAY QUE AÑADIRLE UN "DO BEMOL" (do, mi, sol, si, re ,fa, la, do b). SOLO TIENE UN INCONVENIENTE: COMO FALTAN DEDOS, A MI POR LO MENOS, HAY QUE TOCAR ESE ACORDE CON LAS DOS MANOS Y ADEMAS LA PUNTA DE LA NARIZ PARA COMPLETARLO CON LA QUINCENA MENOR ESA. CUANDO LO HAGO EN MI TECLADO KORG, PONIENDO UN BUEN TIMBRE COMO TROMPAS SINFONICAS O TROMBONES, LES ASEGURO QUE SUENA DE PUTA MADRE... STRAVINSKI A MI LADO, UN AFICIONAO DE RONDALLAS Y BANDURRIAS. !PALABRA¡ DEJEN SUS MARAVILLOSAS GUITARRAS QUE NO VALEN PARA ESTOS INVENTOS Y ¡PRUEBEN EL ACORDE! NO SOLON PROBARLO: HAY QUE CONSTRUIR LOS OCHO GRADOS DIATONICOS CON ACORDES DE "QUINCENA MENOR" Y LUEGO LOS CINCO GRADOS CROMATICOS QUE TIENEN QUE SER TODOS CON LOS INTERVALOS DE SEPTIMA MENOR, PARA QUE HAGAN FUNCION DE ACORDES DE PASO DISONANTE. COMO ME EXTENDI DEMASIADO EN MIS EXPLICACIONES TECNICAS, DEJO MIS COMENTARIOS SOBRE LAS VANGUARDIAS, PARA UN SIGUIENTE TRABAJO. QUE OS SEA LEVE, COLEGAS.
+A. Sebastian Antes de seguir con mi objetivo de hacerle un analisis critico y tecnico a la musica llamada "contemporanea", debo pedir excusas y corregir inmediatamente dos errores imperdonables, en los que incurri, a la hora de precisar las notas que fueron apareciendo en las extensiones armonicas que trajo el avance tecnico del desarrollo armonico, tras el Renacimiento, lenta pero inexorablemente, con la aparicion de los acordes de septima y sucesivamente de novena, oncena y trecena. Mis dos errores estan, primero, al referirme a la incorporacion de los acordes de oncena que dentro de la tonalidad de do, lo escribi asi: (do, mi, sol, si, re, FA). Este fa, añadido como oncena justa, tenia en realidad que ser una oncena aumentada, para que se cumpliera la serie y por tanto su exacta escritura, seria un fa #, quedando por tanto la serie del acorde de oncena asi: (do, mi, sol, si, re, fa #). Cometi el error, porque escribi el comentario de una tirada, desde una poblada cafeteria (era fiesta, hacia buen dia de la Purisima 8/12/16) y con el barullo de los clientes y tambien una mesa de muchachas que quitaban el hipo y sin un teclado a mano, que me habria advertido del error, escribi distraidamente el intervalo de oncena que se requiere en esta teoria de la extension de acordes). Basta, por demas, comprobar, en un buen teclado, cualquier profesional, que el acorde de oncena "justa" con el fa natural, suena a rayos, mientras que con la oncena aumentada, fa#, aquello se ilumina como si encendieramos un salon parisino, de principio de siglo pasado, en donde los impresionistas andaban con estos ricos pero complicados acordes de oncena aumentada, sobre todo a la hora de estudiar sus inversiones, que hoy dominan mejor que nadie, quede claro a cualquier navegante de la teoria armonica, los arreglistas y pianistas de jazz. El segundo error, de indole parecida, fue cuando me referi al acorde de mi propia invencion, dicho sea de paso con perdon por autoseñalarme, pero es la verdad, que llame de "quincena menor" con la superposicion de una nota con este intervalo, do bemol, pero que está igualmente equivocado. No puede ser una "quincena menor" do bemol, sino una "quincena aumentada" y por tanto, no un do bemol, sino un do sostenido, por las mismas razones que me excuse para precisar la oncena aumentada. Cerraré, estas explicaciones, avisando que a partir de aqui, no cabe hacer mas extensiones arnonicas, porque se enpezaria a introducir duplicaciones y recordemos que esta tecnica armonica se basa en construir acordes sin incluir notas repetidas, como se inflaron a hacer nuestros compositores europeos, hasta el posromanticismo. Me queda, en este tema, considerar si es posible aplicar la extension de acordes en un instrumento tan maravilloso como la guitarra, pero tambien tan limitado desde algunos aspectos tecnicos, Este problema lo tienen completamente resuelto los guitarristas de jazz y entre ellos el maestro de maestros Joe Pass, del que tuve la suerte de ser alumno y despues de su muerte, profesor de cursos, en el Festival Internacional de Guitarra en Cordoba, por los años noventa. Es complicado explicar el problema, pero aclarare que no pudiendose construir extensiones armonicas completas, en la guitarra, como si fuera un teclado, la solucion esta en hacer fragmentos de acordes, en los que se incluyan los intervalos armonicos que iinteresan a cada pasaje melodico. Aprender esta tecnica con todas sus inversiones posibles, , requiere profundos estudios y bastante tiempo y el mejor ejemplo para que nuestros lectores profesionales, puedar ver y oir a un buen ejenplar de esta tecnica melodico-armonica en la guitarra, es invitarles a buscar en Internet, el concierto del cuarteto de Diana Krall "Live in Paris" donde se encuentra el maestro Anthony Wilson haciendo alardes en el nivel de la indicada tecnica armonica y melodica improvisatoria, a la que me estoy refiriendo y esforzando en explicar. Basta por ahora. Vuelvo a aplazar mi analisis sobre la musica contemporsánea para un proximo comentario. Greeting, see you later and all the best for everybody.
jorge es una grande de la guitarra, de verdad.
gran guitarrista y gran pedagogo, autor de bellísima música. perfecto el paralelismo entre la música antigua europea y la musica "popular" de latinoamerica
gracias, pablo
Coincido pero Ud. no se queda atrás Don Ricardo. Disfruto mucho lo que hace.
Muchas gracias por esta entrevista. Gracias al equipo de Sextoorden y , cómo no, al maestro Cardoso. Para muchos de nosotros, la música de Cardoso en la guitarra sigue siendo algo que nos traslada a esos mundos estéticos en los que uno goza de la síncopa, la tonalidad, el baile, evocando tantas cosas.. Por razones profesionales (soy médico de familia en ejercicio, por lo que siento una especial sintonía con el maestro) he tenido que seleccionar mucho el repertorio a tocar con mi guitarra. Su famosa "Milonga" siempre estará entre las obras escogidas. Enhorabuena, Sextoorden.
Que vida tan interesante, mi admiración para usted, saludos desde México CDMX.
Para alguien que no es músico pero que no concibe la vida sin ella, ésta entrevista no tiene desperdicio. Las reflexiones sesudas del maestro me mantuvieron atento hasta el final y quiero más... Altamente recomendable !!
Hermosa entrevista
El Musicoterapeuta. La música es la mejor medicina para el espíritu.
¿Qué hay Jorgito? ¡Cuanto tiempo sin vernos! ¿Por donde andas? Nos conocimos en Madrid, cuando vivias por Gral. Ricardos y me carteaste agradecido, porque yo trabajaba en RN Clasica y emitia temas e interpretaciones tuyas, en un espacio dedicado a todas las guitarras: clasico, jazz, flamenco y como no, latinoamericano. Nos conocimos, nos tratamos una temporada, incluso un tarde me hiciste el honor de reunirte en mi casa, con amigos profesionales y nos interpretaste tu "Milonga", cuya grabacion guardo todavia. Pero desapareciste, me dijeron que te fuiste a Francia y nos perdimos. Supongo ya me habras identificado, lo que te ruego no desveles. Despues empece a seguirte por Intermet, pero no habia descubierto esta magnifica entrevista que me animó a enviarte, este mensaje, basicamente porque dices cosas muy importantes, que hay y me interesa recrear. Ya sabes que yo tambien le doy al analisis y la didactica. Me referiré solo a un par de cuestiones, de las muchas que provoca tu comunicacion. Eres muy calmo, pero muy provocativo. Veras. Al principio te refieres a los problemas entre escritura y lectura musical. Como tu bien dices, esto es un asunto ignorado en los Conservatorios clasicos (aunque las cosas estan cambiando, despues de muchas discusiones con los que defendemos libertad y recreacion interpretativa, por encima de sometimiento metrico a la partitura) y esto lo hacemos especificamente en generos como el jazz, el flamenco, o la bossa y por extension al folk clasico sudamericano, muy señaladamente el argentino, con sus interminables formas, que tu me demostraste en tu libro al respecto. Yo lo suelo explicar de la siguiente manera: Para empezar la PARTITURA no es mas que una simple clave, bastante tosca entre el pensamiento del compositor y lo que buenamente puede ir fijando simbologicamente en los pentagramas para que lo lean otros. Esta mas o menos conseguido en el mundo clasico (aunque advirtiendo que si te limitas a cuadrar como pone el papel, la interpretacion de los simbolos de una lectura, no estas interpretando nada, estas "ejecutando" a la musica a horca y cuchillo. Esto es especialmente cierto para interpretar musicas digamos "no academicas", como el jazz, el flamenco, la bossa y el clasico sudamericano. Cuando tu estabas tratando de justificar ese especial e intencionado desajuste para interpretar tus composiciones, que no puede recoger la partitura,solo te ha faltado pronunciar la palabra "swing" que es el desajuste melodico, , ritmico, y armonico, metricamente de cualquier interpretacion jazzistica, a tal estremo que este fenomeno se da tambien en el flamenco y le llaman "mecer el cante, el toque o el baile..." Artista flamenco que no sabe "meser" su cante, su toque o su baile, esta muerto y bien muerto. En Brasil pasa lo mismo con otro termino diferente pero sinonimo. Le llaman "balance". Si no sabes tocar una bossa, una samba... con "balance", despidete porque no te van a pedir que toqes en la vida nada... He aqui, como en tres culturas musicales de origenes completamente diferentes y a 5.000 kms de distancia, unas de otras, se ha llegado al mismo punto, con distintos terminos propios. Queria comentar tambien los criterios de Jorge Cardoso con la musica llamada falazmente "contemporanea", vago termino al que se acogen ahora, los que hasta hace poco se autollamaban con desmedido orgullo "vanguardistas", pero que se han pegado en la cabeza contra un muro (el muro de la Ley de la Resonancia del Sonido, que se estudia en primero de Teoria Musical) y por el que las vanguardias han ido a parar todas del estreno al archivo...¡Vaya un fiasco!). Este tema lo voy a desarrollar en un segundo comentario, proximamente, para orientacion de melomanos, incluidos la "vanguardia R.I.P". Sera divertido, aunque soy consciente de que me voy a meter en un avispero. Ahora solo les hare una invitacion audiovisual a todos, como pequeña muestra de lo que considero, particularmente, la tecnica musical mas avanzada y valida, de a lo que puede llegar hoy un musico bien instruido para tocar e improvisar sobre un tema que no habia oido nunca. Busquese simplemente la magnifica leccion practica que le da el guitarrista de jazz Wes Montgomery al pianista Pim Jacobs y su magnifico trio holandes, enseñandoles a tocar un tema "Man" que desconocian y aprenden a interpretarlo en un pis pas. Basta escribir en TH-cam los titulares dados. Que les sea leve y ¡Todo por la musica!
*INCREIBLE! **_SOY UNA BESTIA! SIEMPRE PENSÉ QUE JORGE CARDOSO ESTABA MUERTO.. DE LO QUE ME ESTABA PERDIENDO! GRACIAS POR COMPARTIR!_*
Merci pour ce partage 🎶🥰
No tiene pérdida esta entrevista, Cardoso hablando como hay que hablar y de lo que hay que hablar cuando (como es el caso de él) se tiene mucho qué decir.
Enhorabuena.
Fernando Calvillo
Maestro gigante
un lujo
La música es ante todo sentimiento.
Genial jorge!! Felicitaciones!!!
Si la música no le mueve alguna fibra al que escucha, sino le provoca algún sentimiento... entones ¿cuál es su función?. Los músicos deben saber de música, con más o menos conocimientos, el público tiene que poder disfrutarla, sin importar de dónde provienen, puede gustarle o no lo que escucha, Pero no puede pedirsele que necesite conocimientos avanzados y un diccionario para entenderla.
Exacto. La educación empieza por educar el oído.
Ole Maestro!
van guardias
Todo un erudito!!
¿Cuál es el título del libro?
¿Qué hay Jorgito? ¡Cuanto tiempo sin vernos! ¿Por donde andas? Nos conocimos en Madrid, cuando vivias por Gral. Ricardos y me carteaste agradecido, porque yo trabajaba en RN Clasica y emitia temas e interpretaciones tuyas, en un espacio dedicado a todas las guitarras: clasico, jazz, flamenco y como no, latinoamericano. Nos conocimos, nos tratamos una temporada, incluso un tarde me hiciste el honor de reunirte en mi casa, con amigos profesionales y nos interpretaste tu "Milonga", cuya grabacion guardo todavia. Pero desapareciste, me dijeron que te fuiste a Francia y nos perdimos. Supongo ya me habras identificado, lo que te ruego no desveles. Despues empece a seguirte por Intermet, pero no habia descubierto esta magnifica entrevista que me animó a enviarte, este mensaje, basicamente porque dices cosas muy importantes, que hay y me interesa recrear. Ya sabes que yo tambien le doy al analisis y la didactica. Me referiré solo a un par de cuestiones, de las muchas que provoca tu comunicacion. Eres muy calmo, pero muy provocativo. Veras. Al principio te refieres a los problemas entre escritura y lectura musical. Como tu bien dices, esto es un asunto ignorado en los Conservatorios clasicos (aunque las cosas estan cambiando, despues de muchas discusiones con los que defendemos libertad y recreacion interpretativa, por encima de sometimiento metrico a la partitura) y esto lo hacemos especificamente en generos como el jazz, el flamenco, o la bossa y por extension al folk clasico sudamericano, muy señaladamente el argentino, con sus interminables formas, que tu me demostraste en tu libro al respecto. Yo lo suelo explicar de la siguiente manera: Para empezar la PARTITURA no es mas que una simple clave, bastante tosca entre el pensamiento del compositor y lo que buenamente puede ir fijando simbologicamente en los pentagramas para que lo lean otros. Esta mas o menos conseguido en el mundo clasico (aunque advirtiendo que si te limitas a cuadrar como pone el papel, la interpretacion de los simbolos de una lectura, no estas interpretando nada, estas "ejecutando" a la musica a horca y cuchillo. Esto es especialmente cierto para interpretar musicas digamos "no academicas", como el jazz, el flamenco, la bossa y el clasico sudamericano. Cuando tu estabas tratando de justificar ese especial e intencionado desajuste para interpretar tus composiciones, que no puede recoger la partitura,solo te ha faltado pronunciar la palabra "swing" que es el desajuste melodico, , ritmico, y armonico, metricamente de cualquier interpretacion jazzistica, a tal estremo que este fenomeno se da tambien en el flamenco y le llaman "mecer el cante, el toque o el baile..." Artista flamenco que no sabe "meser" su cante, su toque o su baile, esta muerto y bien muerto. En Brasil pasa lo mismo con otro termino diferente pero sinonimo. Le llaman "balance". Si no sabes tocar una bossa, una samba... con "balance", despidete porque no te van a pedir que toqes en la vida nada... He aqui, como en tres culturas musicales de origenes completamente diferentes y a 5.000 kms de distancia, unas de otras, se ha llegado al mismo punto, con distintos terminos propios. Queria comentar tambien los criterios de Jorge Cardoso con la musica llamada falazmente "contemporanea", vago termino al que se acogen ahora, los que hasta hace poco se autollamaban con desmedido orgullo "vanguardistas", pero que se han pegado en la cabeza contra un muro (el muro de la Ley de la Resonancia del Sonido, que se estudia en primero de Teoria Musical) y por el que las vanguardias han ido a parar todas del estreno al archivo...¡Vaya un fiasco!). Este tema lo voy a desarrollar en un segundo comentario, proximamente, para orientacion de melomanos, incluidos la "vanguardia R.I.P". Sera divertido, aunque soy consciente de que me voy a meter en un avispero. Ahora solo les hare una invitacion audiovisual a todos, como pequeña muestra de lo que considero, particularmente, la tecnica musical mas avanzada y valida, de a lo que puede llegar hoy un musico bien instruido para tocar e improvisar sobre un tema que no habia oido nunca. Busquese simplemente la magnifica leccion practica que le da el guitarrista de jazz Wes Montgomery al pianista Pim Jacobs y su magnifico trio holandes, enseñandoles a tocar un tema "Man" que desconocian y aprenden a interpretarlo en un pis pas. Basta escribir en TH-cam los titulares dados. Que les sea leve y ¡Todo por la musica!
Para hacer una valoracion de la llamada vanguardia musical a partir de la II postguerra, hay que hacer un poco de historia sobre nuestra cultura sonora occidental. Aunque los historiadores de la musica, nos hablan de esta, como una sucesion de estilos, en definitiva, de escuelas esteticas, Renacimiento, baroco, clasico, romantico, postromantico, impresionista, neoclasico, expresionista...etc.
en realidad, los musicos, sabemos que la Historia de la musica, antes de ser una sucesion de etapas esteticas, sobre todo es una evolucion de sus elementos tecnicos y no solo desde el Renacimiento, hace unos cinco siglos, al que se le atribuye el origen del desarrollo instrumental, sino desde la himnodia griega y la salmodia judia, hace mucho mas de 2.000 años. Si incluimos los poemas de las epopeyas de Homero, que ya eran cantadas con acompañamiento de cuerda (kithara) o viento (aulós), en los albores de la literatura epopeyica, que es cuando empieza verdaderamente la conceptica de lo que hoy llamamos musica europea, entonces nuestra
historia musical empezo hace la friolera de 2.800 años.
Naturalmente no me voy a poner a contarles ahora semejante historia, porque resultaria un relato muy largo para este medio. Pero sÍ unos pocos datos, preferible de indole técnica muy sencilla que van a comprender todos los lectores.
Lo primero que establecieron los griegos fueron unas estructuras escalisticas, muy sencillas de no mas de cuatro notas y ademas descendentes, no como ahora, que todas nuestras escalas son ascendentes (La antropologia cultural explica esta contraposicion porque loa griegos entendian que la musica venia de las musas o diosas de la Fabula y cualquier planteamiento escalistico tenia que venir del agudo al grave. En cambio para el cristianismo la musica eleva a Dios y por tanto habia que hacer las escalas ascendentes, Tales escalas griegas se llamaban "modos" y luego la Iglesia , llamo a las suyas "modos eclesiasticos" que no eran otra cosa que los griegos, pero invertidos, con un añadido errado, al no hacer la inversion fielmente, sino que confundio los grados de cada modo, resultando completamente descabalado el sistema griego, tanto desde sus significados originales esteticos, como de su denominacion. Por ejemplo, si el modo griego autentico "dorico" se llamo en el modo eclesiastico, "frigio", esto significo que las profundas observaciones psicologicas de Platon, considerando al modo dorico, propio para los resistentes, los sufridos, los soldados defensoresde la ciudad (como si dijeramos hoy, la marcial musica militar) al considerar la Iglesia a esa escala, en sus modos eclesiasticos, como modo frigio, que representaba todo lo contrario: edonismo, juerga... (como si dijeramos hoy, musica de discoteca), la Iglesia (los pobres monjecicos ignorantes que empezaron a desempolvar los legajos de la antiguedad, sin tener ni p. idea), se cargo de un plumazo la ciencia estetica musical de la Antigüedad, que habian ido estableciendo sabios como Pitagoras, Damon, Platon...desde hacia siglos.
Inventados los modos, ya griegos, ya eclesiasticos, durante siglos no paso tecnicamente nada, hasta la invencion de la Polifonia en el siglo IX, por la que se descubrio el contrapunto de voces (varias melodias cantadas simultaneamente) y de rebote los origenes de la armonia (los acordes que diria un rockero tirao).Aunque el termino "armonia" es de origen griego, que significa, combinacion, el sentido armonico de los griegos no era de sonidos simultaneos, sino sucesivos para establecer sus modos en las liras. Esa simultaneidad nacio por primera vez en los claustros europeos como se ha dicho del s. IX y asi nos volvimos a pegar otra tanda siglos, sin avances tecnicos, aparte el establecimiento de lineas para escribir musica, hasta la llegada del Renacimiento con su eclosion instrumental, debida muy principalmente a ls cultura hispanoarabe, cosa que se ignora bastante, sobre todo precisamente en España, debido al trabajo de zapa antiislamica de la musicologia eclesiastica secular. Con el desarrollo del contrapunto, la armonia y las Formas musicales, se dio un notable avance en la composicion y la interpretacion hasta llegar a los grandes maestros del Barroco de tecnica sobrecargada. sucedido por el periodo clasico, mas equilibrado entre sentimiento y razon al que sigue el romanticismo que vuelve a una expresion mas temperamental, tras el que entramos en el conflictivo siglo XX, en el que surgen varias corrientes simultanes, mas enfrentadas tecnicamente que nunca: de una parte la escuela impresionista, que armonicamente sistematiza los intervalos de novena e incluso aporta las oncenas. Hay que explicar esto a los neofitos. Un acorde empieza a ser tal desde el momento que empieza a tener tres notas, que son los acordes mayores y menores, conocidos suficientemente por cualquier guitarrista aficionado. Si a esas tres notas (p.e. do, mi sol) le metes una cuarta por superposicion de tercera (do mi, sol, si ó si bemol) ya tenemos los acordes de septima. Esta era la armonia practicamente hasta el romanticismo., En el postromanticismo, Brahms y sobre todo Bruckner y tambien Mahler manejan las novenas (do, mi, sol, si, re), se sigue con las extensiones armonicas y Debussy y Rabel, llegan a establecer las oncenas (do. mi , sol, si, re, fa) incluso a convertir las oncenas en cuartas, lo que empieza a saturar los acordes, cromatizandolos.
Y por ultimo llegan los neoclasicos (Stravinski, Milhaud, Messiaen) y añaden el acorde de trecena (do mi, sol, si, re , fa, la), que necesita unas orquestas gigantescas para poder hacer en la seccion de metales, semejantes acordes atronantes, como si quisieran que se desprendiera la lampara central de sus auditorios.
Un inciso, no se por qué, se paro la extension de acordes en la trecena, porque si consiste en la superposicion de terceras, sin duplicar ninguna nota, TODAVIA SE LE PUEDE AÑADIR UNA OCTAVA NOTA AL ACORDE DE TRECENA QUE HARIA FUNCION DE "QUINCENA MENOR" PUES HAY QUE AÑADIRLE UN "DO BEMOL" (do, mi, sol, si, re ,fa, la, do b). SOLO TIENE UN INCONVENIENTE: COMO FALTAN DEDOS, A MI POR LO MENOS, HAY QUE TOCAR ESE ACORDE CON LAS DOS MANOS Y ADEMAS LA PUNTA DE LA NARIZ PARA COMPLETARLO CON LA QUINCENA MENOR ESA. CUANDO LO HAGO EN MI TECLADO KORG, PONIENDO UN BUEN TIMBRE COMO TROMPAS SINFONICAS O TROMBONES, LES ASEGURO QUE SUENA DE PUTA MADRE... STRAVINSKI A MI LADO, UN AFICIONAO DE RONDALLAS Y BANDURRIAS. !PALABRA¡ DEJEN SUS MARAVILLOSAS GUITARRAS QUE NO VALEN PARA ESTOS INVENTOS Y ¡PRUEBEN EL ACORDE! NO SOLON PROBARLO: HAY QUE CONSTRUIR LOS OCHO GRADOS DIATONICOS CON ACORDES DE "QUINCENA MENOR" Y LUEGO LOS CINCO GRADOS CROMATICOS QUE TIENEN QUE SER TODOS CON LOS INTERVALOS DE SEPTIMA MENOR, PARA QUE HAGAN FUNCION DE ACORDES DE PASO DISONANTE.
COMO ME EXTENDI DEMASIADO EN MIS EXPLICACIONES TECNICAS, DEJO MIS COMENTARIOS SOBRE LAS VANGUARDIAS, PARA UN SIGUIENTE TRABAJO. QUE OS SEA LEVE, COLEGAS.
+A. Sebastian
Antes de seguir con mi objetivo de hacerle un analisis critico y tecnico a la musica llamada "contemporanea", debo pedir excusas y corregir inmediatamente dos errores imperdonables, en los que incurri, a la hora de precisar las notas que fueron apareciendo en las extensiones armonicas que trajo el avance tecnico del desarrollo armonico, tras el Renacimiento, lenta pero inexorablemente, con la aparicion de los acordes de septima y sucesivamente de novena, oncena y trecena. Mis dos errores estan, primero, al referirme a la incorporacion de los acordes de oncena que dentro de la tonalidad de do, lo escribi asi: (do, mi, sol, si, re, FA). Este fa, añadido como oncena justa, tenia en realidad que ser una oncena aumentada, para que se cumpliera la serie y por tanto su exacta escritura, seria un fa #, quedando por tanto la serie del acorde de oncena asi: (do, mi, sol, si, re, fa #). Cometi el error, porque escribi el comentario de una tirada, desde una poblada cafeteria (era fiesta, hacia buen dia de la Purisima 8/12/16) y con el barullo de los clientes y tambien una mesa de muchachas que quitaban el hipo y sin un teclado a mano, que me habria advertido del error, escribi distraidamente el intervalo de oncena que se requiere en esta teoria de la extension de acordes). Basta, por demas, comprobar, en un buen teclado, cualquier profesional, que el acorde de oncena "justa" con el fa natural, suena a rayos, mientras que con la oncena aumentada, fa#, aquello se ilumina como si encendieramos un salon parisino, de principio de siglo pasado, en donde los impresionistas andaban con estos ricos pero complicados acordes de oncena aumentada, sobre todo a la hora de estudiar sus inversiones, que hoy dominan mejor que nadie, quede claro a cualquier navegante de la teoria armonica, los arreglistas y pianistas de jazz.
El segundo error, de indole parecida, fue cuando me referi al acorde de mi propia invencion, dicho sea de paso con perdon por autoseñalarme, pero es la verdad, que llame de "quincena menor" con la superposicion de una nota con este intervalo, do bemol, pero que está igualmente equivocado. No puede ser una "quincena menor" do bemol, sino una "quincena aumentada" y por tanto, no un do bemol, sino un do sostenido, por las mismas razones que me excuse para precisar la oncena aumentada. Cerraré, estas explicaciones, avisando que a partir de aqui, no cabe hacer mas extensiones arnonicas, porque se enpezaria a introducir duplicaciones y recordemos que esta tecnica armonica se basa en construir acordes sin incluir notas repetidas, como se inflaron a hacer nuestros compositores europeos, hasta el posromanticismo.
Me queda, en este tema, considerar si es posible aplicar la extension de acordes en un instrumento tan maravilloso como la guitarra, pero tambien tan limitado desde algunos aspectos tecnicos, Este problema lo tienen completamente resuelto los guitarristas de jazz y entre ellos el maestro de maestros Joe Pass, del que tuve la suerte de ser alumno y despues de su muerte, profesor de cursos, en el Festival Internacional de Guitarra en Cordoba, por los años noventa. Es complicado explicar el problema, pero aclarare que no pudiendose construir extensiones armonicas completas, en la guitarra, como si fuera un teclado, la solucion esta en hacer fragmentos de acordes, en los que se incluyan los intervalos armonicos que iinteresan a cada pasaje melodico. Aprender esta tecnica con todas sus inversiones posibles, , requiere profundos estudios y bastante tiempo y el mejor ejemplo para que nuestros lectores profesionales, puedar ver y oir a un buen ejenplar de esta tecnica melodico-armonica en la guitarra, es invitarles a buscar
en Internet, el concierto del cuarteto de Diana Krall "Live in Paris" donde se encuentra el maestro Anthony Wilson haciendo alardes en el nivel de la indicada tecnica armonica y melodica improvisatoria, a la que me estoy refiriendo y esforzando en explicar. Basta por ahora. Vuelvo a aplazar mi analisis sobre la musica contemporsánea para un proximo comentario. Greeting, see you later and all the best for everybody.