Yeah. There are pieces that makes me shivers and sad, and there are also pieces like this one that makes me want to dance. How can you say such music with its richness of expression 'boring' :")
I can imagine myself and a friend sitting down and playing this piece while everyone dances and laughs. I could play this until the end of time. If only I had another pianist friend.
I played this with my guitarist friend who happen to play a piano, and it was so much fun! We once played this with friends watching, they didn't dance but at least swaying left and right to the melody :) this piece is fun And let's be friends :))
CerysCoversandBlogs there was an episode in which this piece played. I don't know the name but it hink it was one in which they had a room with eater and they froze it and started skating or something like that
As you can see, this piece is intended to be played with 2 pairs of hands... Quick, grab a friend! ME: grab as in invite them or... grab as in kidnap them?
This piece is just very enchanting, magical and glorious, I feel like dancing and waltzing with someone on a luxurious ballroom where everyone is happy dancing and talking to each other. I feel like I am in a magical night, the most magnificent night I'll ever have.
No matter how many times I listen to this, or how long it becomes, this classical piece never ceases to amaze me.!! Astoundingly amazing and beautifully composed
While this is intended to be a duet, a substantial portion of this could potentially be played by a sufficiently experienced and dextrous solo pianist, with perhaps a few liberties on timing in the bass and dropping a few notes here and there where the note combinations would be impossible without digit extensions.
NO ONE REMEMBER?!?!?! Disney... princess aurora I walked with you once upon a dream. ... You'll love me at once, the way you did once upon a dream. Once upon a night,
Nah, i've watched it twice and i don't find it as sad as how people like to exaggerate it to be. Sure the second time i feel more for the characters but i find that their romance isn't even developed so they're basically still friends at the end. Sure its sad but not that depressing as compared to so many others like Guilty Crown, Plastic Memories, those kind really makes you feel for the characters as their romance are developed. The thing i like the most about Shigatsu is the classical music used. Extremely great choice and good exposure for me as a classical pianist.
i don't really know why, but hearung this from ylia really touched my soul somehow. The feelings can't be put into words but i just feel so much listening to this
they're wives must be so satisfied edit right after I typed the comment:holy shit I'm so retarded i cant see the difference between their and they're aaaaaa
I tried i could only do certain sections where there were jumps such as the first few seconds of the music. The rest is just impossible because we only have 10 fingers
The Siloti transcription is for solo piano, here’s the link: conquest.imslp.info/files/imglnks/usimg/9/9d/IMSLP247445-PMLP26902-Tchaikovsky-Op66.Zps.pdf page 59 I believe.
By readings the comics of Spiderman, and the moments when something bad is about to happen, this song remembers me how powerless i can be....and the anger within
Notes a little behind... but yet surprises me by the people who disliked, this song inspired me to play the piano since I was 6. People need to ease down listening to pop, EDM, and other modern songs. They need to learn about the past through music.
That is me as well. Right now I’m rewatching Fairy Tail and then I plan on watching YLIA for the 8th or 9th time. Right now I’m trying to find the score for this piece and I can’t find one with notation that is big enough for my 54 year old eyes to read!!!
beautifully performed, just love this piece, so enchanting, grand job, brings back happy memories when I had the opportunity to dance to this beautiful tune in my ballet School. just SUPERB.
i want to play this with my friend at our christmas program..think we can do this..cause I'm just at the intermediate level on our piano lessons while she is already a pro
Les 7 notes. Quand on jour de la musique, on produit des vibrations donc des sons. Selon les cas on chante, frappe, gratte, frotte, souffle, clique, etc... Si on joue de la batterie on produit des sons percussifs parfaits pour le rythme mais les hauteurs de ces sons ne sont pas facilement identifiables par l'oreille et on peut les imiter par des onomatopées ou des bruitages mais on ne peut pas les changer. La batterie est un instrument à hauteurs indéterminées. Pour jouer une mélodie on utilise un instrument à hauteurs déterminées comme le piano ou la guitare, le xylophone, la flûte ou le violon. L'aigu et le grave. Les hauteurs musicales déterminées ou indéterminées peuvent se classer les unes par rapport aux autres en plus ou moins aigues ou graves. Par exemple les petits instruments à vent donnent des sons plus aigus que les gros et les cordres épaisses des instruments à cordes donnent des sons plus graves que les cordes fines. Au piano le grave est à gauce et l'aigu à droite;. La hauteur d'un son correspond à un certain nombre de vibrations par seconde, appelé fréquence. Elle s'exprime en Hertz. 1 Hertz = 1 vibration par secnde. L'oreille humaine perçoit les sons sitées entre 20 et 20 000 Hertzs.. La justesse. Quand on entend un instrumentiste à vent ou à corder, on peut avoir l'impression qu'il joue faux car il faut de la maîtrise pour parvenir à la justesse. Comparer les écarts de justesse revient à comparer mentalement la hauteur des notes qu'on entend avec celles des notes justes imaginées. A certaines époques et pour la plupart des instruments, ls systèmes d'accord sont différentes de celui de la musique classique et peuvent procurer le fausse sensation de jouer faux. Pour qu'un interprète joue les notes désirées, son instrument doit être accordé. Certains instruments doivent être accordés chaque fois avant de jouer comme la guitare, la flûte et le violon. Parfois plusieurs fois par concert dans le cas de la hartep ou des timbales car ils ne gardent pas longtemps ld'accord. Le piano nécessite un accordage moins fréquent. La fréquence de l'accordage dépend du lieu et de l'utilisation. Pour un particulier, de temps en temps suffit largement mais un instrument d'un professionnel sera accordé avant chaque concert. Pour ce qui est de l'orgue, il peut s'écouler plusieurs siècles avant un réaccord car c'est une opération complexe et très coûteues. Parfois des instruments comme les cloches, xylophones, harmonicas, ne sont accordés que lors de leur fabrication. L'accord d'un instrument peut parfois nécessiter l'intervention de professionnels. Les musiciens utulisent généralement un diapason donnant un son de référence, souvent le la qui est la sonorité qu'on entend quand on décroche le téléphone fixe. Il y a aussi des accordeurs électroniques qui indiquent la précision de l'accord à l'aide d'un cadran gradué. L'ensemble des hauteurs musicales de l'extrême grave à l'extrême aigu semble quasi infini. Le piano a certes 88 touches donc on se dit qu'il y a 88 notes différentes. Heureusement il n'y a pas 88 noms de notes à connaître car certaines de ces notes sont des hauteurs qui sonnent de manière si apparentée qu'elles portent le même nom. Ce sont les notes en rapport d'octave. 2 notes séparées par 12 touches sont dites "à l'octave " et portent le même nom. Un octave contient 12 touches certaines blanches et d'autres noires. Donc 12 notes différentes. En fait il n'y a que 7 noms de notes mais il y a 5 altérations. Soit 7 noms de notes conjugués avec 5 types d'altérations différentes soit 35 noms combinés possibles. Une octave au piano a 7 touches blanches qui sont les 7 notes naturelles : do ré mi fa sol la si. Il y a aussi 5 touches noires qui sont des notes altérées. Leurs noms nécessitent des combinaisons non simple + altération, comme do dièse. Elles sont disposées par groupes de 2+3 ou 3+2. A noter que les touches blanches peuvent être aussi désignées par des noms combinées, comme si dièse. Dans ce cas elles deviennent des notes altérées. Le choix du clavier de piano est pratique pour visualiser les notes de musique même si le xylophone est pas mal dans le genre. Les 5 altérations. Les 7 notes naturelles peuvent être modifiées par des altérations. Une altération agit sur la hauteur d'une note an ajoutant ou en ôtant des demis tons. Un demi ton est la plus petite différence entre 2 hauteurs de notes dans le système musical occidental. On trouve cette différence pour les notes naturelles, entre mi et fa, et entre si et do. Les autres notes naturelles voisines sont séparés par des tons entiers. Les demi tons ne sont égaux que dans le cadre du tempérament égal. Dans ce système le demi ton partage l'octave en 12 parties égales. Ce système s'est généralisé à partir du XVIIIème siècle et de nombreux instruments sont désormais accordés en tempérament égal. Sur un clavier de piano il y a 2 cas. D'abord les touches blanches mi fa et si do ne sont pas séparées par des touches noires et les faire jouer l'une après l'autre fait entendre des demi tons. Mais les autres touches blanches sont séparées par des touches noire et donc lers jouer l'une après l'autre fait entendre des tons entiers. Il y a 65 types d'altérations. Il y a le dièse et le bémol. Il y a le double dièse et le double bémol. Et il y a le bécarre qui sert à annuler l'effet des 4 altérations précédentes. Au début du Moyen Age, les notes naturelles sont utilisées mais le système des altérations se développe lentement au fur et à mesure des nouveaux besoins des cmopositeurs. La dièse ajoute un demi ton aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient polus aigue. Le bémol ôte une demi ton aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus grave. La bécarre annule l'effet d'une altération précédente. Si on trouve un do dièse dans une partition. Si après dans la même mesure, il y a un autre do de même hauteur mais sans altération, il sera également joué do dièse. Pour que soit joué un do naturel, il faut jui adjoindre un bécarre car l'effet d'une altération reste valable pour toutes les notes suivantes identiques de même mesure. Pour résumer, Le dièse (dièse) est l’altération qui élève la note d'un demi-ton chromatique. Le bémol (bémol) est l’altération qui abaisse la note d'un demi-ton chromatique. Le bécarre (bécarre) annule l’effet de toutes les altérations précédentes (qu’elles soient simples ou doubles, constitutives ou accidentelles) et rend à une note sa hauteur naturelle. Le double dièse ajoute 2 demi tons aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus aigue. Le double bémol. Le double bémol ôte 2 demi tons aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus grave. L'enharmonie. Une enharmonie est le rapport entre 2 notes ayant la même hauteur mais portant des noms différents. Ca arrive car il existe 35 noms possibles pour seulement 12 hauteurs différentes. Le choix de l'altération du compositeur dépend du contexte mmudical dans lequel intervient la note : 1, mouvement mélodique acsendant ou descendant. 2, tonalité du morceau. 3, contexte harmonique. L'altération choisie est généralement une indication sur l'intention du compositeur, bien que les questions enharmoniques aient tendance à perturber de leur importance pour les musiques sortant du cadre de la tonalité. A noter qu'en tempérament égal, 2 notes enharmoniques peuvent présenter une légère différence. Le système d'altérations anglais. Le système de notation anglais utilise les altérations comme le système français. Il suffit de traduire : dièse = sharp double dièse = double sharp bécarre = natural bémol = flat double bémol = double flat Le système d'altérations allemand. Le système de notation allemand incorpore l'altération au nom de la note par l'ajout de syllables. La dièse = nom de la note + is. Le double dièse = nom de la note + isis. le bémol = nom de la note + es le doublé bémol = nom de la no te + eses le bécarre ne s'incorpore pas et se nomme Aufloser. 2 exceptions : le la (a) procède pour les bémols, par ajout de "s" : Le b désigne le si bémol alors que le si naturel est désigné par h. La série du si est donc heses, b, h, his et hisis. .
When you've practiced and you already have the skills but you're still missing something 1. A bigger keyboard (I was able to practice at school but my keyboard home isnt complete.) 2. A friend
I played this song on my violin when I was three I kid u not when I was three my parents made me play a musical instrument but now that I am older I am greatfull
Le voicing. Etre en mesure d'analyser un accord chiffré est quelque chose, mais le faire sonner en est une autre. Une bonne connaissance des voicings est indispensable. Le concept de voicing désigne à la fois la conduite des voix intermédiaires et la manière de disposer ces voix. C'est difficile d'harmoniser correctement un standard sans maîtriser cette notion. Dans bien des cas il est nécessaire d'enrichir les accords et de les disposer de façon à obtenir certaines couleurs en harmonie avec le style du morceau ou au contraire, radicalement novatrices. Certains voicings particulièrement appréciés ont marqué l'histoire et se sont vus attribuer le nom de leur géniteur. On peut parler des voicings de Kenny Barron ou de Bill Evans. Les grilles. Le mot grille désigne ces petits tableaux dans lesquels les musiciens de jazz ou de variété inscrivent le chiffrage des accords. Les harmonies sont regroupées par cases et présentées indépendamment de la mélodie souvent d'ailleurs pour les bassistes et les guitaristes. Chaque case correspond à une mesure et si les 2 accords s'enchaînent dans cette seule période, on séparer les 2 symboles par une barre oblique. Dans une mesure à 4 temps, chaque accord vaut donc 2 temps et avec ce système pas besoin de connaître le solfège rythmique. Une grille comporte en général 12, 16 et 32 mesures, le plus souvent de forme AABA, et se joue en boucle. Elle est de nature plus ou moins complexe selon la présence éventuelle d'une introduction, d'un point et/ou d'une coda. Avec la pratique le terme a fini par se généraliser. De nos jours on l'emploi indifféremment pour désigner tableaux et lead sheets. Le chiffrage comme on a pu le voir dans les partitions de type Real Book, est le plus souvent indiqué au dessus de la mélodie. Parfois, cette notation s'enrichit de petits diagrammes présentant la position des doigts sur la manche d'une guitare. Le blues. Les modes. Le Moyen Age musical se caractérisait souvent par ses degrés de récitation, ses règles d'enchaîneements, ses formules d'intonation et ses finales. Les modes modernes ont fait des expérimentations de cominaisons de tons et demi tons pour susciter des couleurs alternatives aux sempiternels modes majeur et mineur. Il y a les modes naturels qui sont la reprise des modes du Moyen Age et de la Renaissance pour leur charme médiéval, ancien mais avec des nouveautés découlant de l'esprit d'harmonique de l'époque moderne. Le jazz en fait aussi usage. Parmi les synonymes des modes naturels on a les modes ecclésiastiques, d'Eglise et les modes diatoniques, voire, les modes grescs même s'ils sont à proscrire car erroné. Ensuite il y a les modes artificiels qui sont de nouvelles échelles créées par un désir de sonorités et de nouvelle rhétoriques : la gramme par tons, le mode ton/demi ton, le mode de Bartok. Enfin il y a les modes ethniques qui sont les adoptions de nombreuses échelles caractéristiques, suscitée par l'éveil des écoles nationales et par un goût pour l'exotisme : gamme chinoise, mode andalou, mode de Java, modes d'Europe centrale, échelles karnatiques d'Inde. Ils sont innombrables dont il s'agira seulement de parler des plus fréquentes et celles qui furent utilisées plus récemment. Pour ce qui est des modes naturels, le Moyen Age avait mis au point un système de 8 modes ( l'octoéchos ). 4 nouvelles échelles les complétèrent à la Renaissance. Construites à partir du la et du do, elles préfiguraient les modes mineures et majeures. Ce système modal fut abandonné à l'époque baroque. QUand les compositeurs, pour renouveler le langage, les compositeurs de la fin du XIXème siècle reprirent ces échelles anciennes, les 12 modse furent réduits à 6 car il n'a plus été tenu compte des différences d'ambitus ( formes authentes et plagales ). De plus un septième mode construit à partir du si fut ajouté. Chaque note naturelle peut être le départ d'un mode. On dit alors selon la note de départ, mode de do, mode de ré,, etc.... Une deuxième terminologie d'origine grecque s'est généralisée depuis le IXème siècle. Bien que provenant d'une lecture erronée de la théorie grecque, elle propose une alternative courante de dénomination. Dans la pratique, chacun des 7 modes peut être transposé sur les 12 degrés chromatiques. On peut avoir un mode de ré transposé sur mi, un mode de fa transposé sur ré bémol, etc.... On peut joeur ces modes, explorer leurs harmonies et noter les cadences particulières qu'ils permettent. Des compositeurs ont mis en valeur ces enchaînements harmoniques caractéristiques. Notament en mode ré, le rapport plagal ( IV -I ) est souvent privilégié avec son enchaînement entre un quatrième degré majeur et un premier degré mineur. Une méthode pour construire les modes naturels. Les différents modes se comprennent et se perçoivent par eux même. Mais pour leur apprentissage, il y a une autre méthode de construction par comparaison avec le majeur et le mineur mélodique descendant. Elle permet de parvenir à une très grande vivacité. Il suffit d'apprendre les notes caractéristiques de grande échelle. A part le mode de si, comportant 2 notes caractéristiques, aucun mode n'a plus d'une note caractéristique à mémoriser. Exemple d'application : imaginons qu'on souhaite consturire un mode de mi, transposé sur fa. Il suffit d'imaginer un mode de fa mineur mélodique descendant et d'ajouter la note caractéristique, le second degré abaissé. Une classification des modes naturels. Pour reconnaître à l'oreille 7 modes diatoniques, on les classe en regardant si leurs deuxième, troisième, 6ème et 7ème sont majeures ou mineures et si leurs quartes et quintes sont justes. En suivant le cycle des quintes, on ne modifie à chaque fois qu'un intervalle et on passe du plus sombre, le mode de si, au plus lumineux, le mode de fa. Le mode pentatonique ( ou pentaphonique ). Contrairement aux gammes diatoniques, les modes ne sont pas toujours faites de 7 notes. Il peuvent n'en avoir que 4 ( modes tétraphoniques ). Ou alors 5. Voire parfois plus, à savoir 8, 9, voire 11 ou 12.Le mode de 5 sons dit mode pentatonique ou pentaphonique est presque un mode universel tant le nombre de cultures l'ayant utilisé est varié. Mais ses 2 zones géographiques principales se trouvent en Afrique et en Asie. Il faut noter qu'il y est aussi en Occident et qu'il est parfois à l'origine de la formation des modes grégoriens. Mais il est parfois utilisé sans connotation historique ou ethnique particulière. Une de ses particularités est de n'avoir aucun demi ton. Aussi il est qualifié de mode anhémitonique. Pour visualiser instantanément ce mode il suffit de remarquer qu'il correspond aux touches noires du piano. .
with rach's style i am really surprised he didn't make this for only one person, as for the most part it would be playable and a similar difficulty to his other works.
La transposition. Il y a plusieurs raisons pour transposer. La transposition peut changer la hauteur d'un morceau entier. C'es une pratique courante pour les chanteurs et instrumentistes souhaitant qu'un morceau corresponde à leur tessiture. la transposition peut résoudre des cas d'instruments aux diapasons différents à partir d'un demi ton d'écart. La transposition peut déclarer un thème, un motif ou faire des marches d'harmonies. Pour ceux souhaitant travailler l'improvisation, transposer de courts motifs dans tous ls tons est un exercice efficace pour progresser. Et les thèmes d'une composition sont couramment présentés dans différentes tonaltiés. Aux moments de développements, notamment, les motifs présentent de grands parcours tonals. Le transposition est aussi indispensable dans le cas des instruments transpositeurs. Ces instruments font entendre une autre note ( la note réelle ) que celle écrite que leur partition ( la note écrite ). La transposition permet de rétablir la réalité à la lecture ou à l'interprétation ( cas où l'instrument transpositeur est différent de celui qui était prévu au départ ). Une méthode simple de transposition consiste à ajoute rou enelver un intervalle fixe à la musique à transposer. Cela se pratique tout autant mentalement ( cela s'appelle transposer à vue ) que par écrit. L'avantage de la méthode est du à la simplicité car il suffit juste de bien connaître les intervalles. Cette méthode a quand même des limites car si on veut faire une transposition à vue d'une partition d'orchestre avec plusieurs transpositeurs, cela devient trop lent. On passe trop de temps à calculer les intervalles pour rester dans le tempo musical. Dans un tel cas, il faut ransposer pour les clés. Pour ce qui est de transposer les clés, en changeant mentalement de clé, il est possible de lire directement une musique dans une nouvelle tonalité. La tonique du ton dans lequel on est, doit devenir la tonique du ton dans lequel on va. Il faut donc s'imaginer la tonique de départ écrire sur la portée, puis trouver la clé permettant de la lire comme la nouvelle tonique d'arrivée. En do majeur, il n'y a rien à la clé. On peut prendre un exemple en clé de sol, extrait d'un quatuor de Haydn. Ecrit en fa majeur, il est à transposer vers do majeur. La clé de lecture sera fa 3. Car nous voulons que là où nous lisons fa, nous lisons désormais do. Le fa de la clé de sol est écrit dans le premier interligne, comme le do de la clé de fa 3. Dans un autre exemple, si on transpose en do majeur, et qu'on est en ré majeur, il faut que ré devienne un do. Donc la clé d'ut4 permet d'y arriver. A noter qu'il y a une limitation aux transpositions car elles sont toujours d'un ton majeur vers un autre ton majeur ou d'un ton mineur vers un autre ton majeur. On ne change donc pas de mode. On change simplement de tons. Quand la musique à transposer contient des altérations accidentelles , cela nécessite une opération supplémentaire. On peut prendre l'exemple du thème " Dans la halle ru doi de la montagne " de Peer Gynt de Grieg de si mineur vers fa mineur. Toutes les altérations accidentelles ont été modifiées. Les dièses et bécarres de la mesure 2 sont devenus des bécarres et bémols et le bécarre de précaution de la mesure 4 est devenu un bémol de précaution. Pour une transposition par les clés il faut donc aussi déterminer le nombre x d'altérations accidentelles devant être corrigés ainsi que le type de correction. Il faut regarder la différence d'armure entre les 2 tonalités. Repérez vos tonalités et comptez le nombre de colonnes les séparant. Il faut ensuite trouver la direction de la correction pour les x notes à corriger. Si le deuxième tonalité est plus à droite que la première, la modulation va vers les dièses et il faudra hausser ls altérations. Si la seconde tonalité est à gauche de la première, la modulation va vers les bémols et il faudra abaisser les altérations. Un cas délicat se produit parfois : une modulation peut enchaîner 2 tonalités ayant plus de 7 quintes d'écart par exemple de ré bémol majeur vers si majeur. Il faut dans ce cas hausser les altérations devant 10 notes : fa, do, sol, ré, la, mi, si, fa, do, sol. Comme fa, do et sol sont lus 2 fois dans cette liste, leurs corrections vont s'additionner. En ce qui concerne les dièses et double dièses, ils vont nécessiter obligatoirement une enharmonie.
L'appoggiature ( harmonique ). L'appoggiature est une note étrnagère attaquée sur un temps fort ou une partie forte d'un temps. De l'italien appoggiare, appuyer, elle implique une accentuation. Elle est à une distance de seconde majeure ou mineure de la note constitutive sur laquelle elle se résout, conjointement, par un mouvement descendant ou ascendant ( plus rare ). L'abréviation d'appoggiature est " app ". Quand l'appoggiature comprend la note supéreiure et la note inférieure avant la résolution, elle est dite double appogiature. L'appogiature s'indique par une valeur rythmique précise ou par une petite note. Quand la petite note n'est pas barrée, sa réalisation rythmique dépend de nombreux facteurs. Quand la petite note est barrée, elle doit être jouée comme une note brève placée selon le style, avant ou après le temps. L'appoggiature est un retard sans préparation. En plus de cela, une note de passage située dans un temps fort est perçue comme une appogiature. Aussi une appoggiature peut être simplement rythmique et ne pas impliquer de note étrangère. L'anticipation. L'anticipation se caractèrise par une note jouée avant l'accord auquel elle appartient. A ce moment cette note est dissonante. Lors de l'arrivée de l'accord, la note est rejouée comme une note réelle. Elle se signale par une note répétée. Une anticipation est généralement plus brève que la note constitutive qu'elle anticipe. Son abréviation est " ant ". L'anticipation apparait souvent au moment des cadences conclusives. L'exemple de " Anticipations " Haydn, Final du Quatuor, opus 33, numéro 2, montre 2 anticipations : le fa de la mesure 2 et le si bémol de la mesure 4. Ces 2 notes sont dissonantes par rapport à l'harmonie. L'exemple présente de nombreuses autres notes répétées mais celles ci sont consonantes du coup elles ne peuvent être qualifiées d'anticipations. L'échappée. L'échappée est une note ornementale disjointe. Le plus souvent elle se présente comme une broderie supérieure sans troisième note. C'est pourquoi on la nomme sous cette forme broderie tronquée. C'est une des notes ornementales les plus libres. Son abréviation est " éch ". La note pédale. La note pédale est une note tenue. Selon les harmonies qui surviennent durant une note pédale, elle peut à tout moment passer de consonance à dissonance. Toute voix peut porter une note pédale, mais ce type de note étrangère est souvent usuel à la basse. Son abréviation est " péd ". Il ne faut pas confondre avec le symbole désignant l'utilisation de la pédale de résonance du piano. Au sein d'un thème, il est fréquent de trouver une pédale de tonique. par contre c'est souvent une pédale de dominante qui prépare l'apparition ou le retour d'un thème important. Groupes de notes étrangères. Les différentes notes étrangères peuvent se combiner entre elles. On peut entendre des broderies de la broderie, des appoggiatures brodées, des anticipations d'une note de passage. Les notes étrangères et le chiffrage. . L'appoggiature ( harmonique ). L'appoggiature est une note étrnagère attaquée sur un temps fort ou une partie forte d'un temps. De l'italien appoggiare, appuyer, elle implique une accentuation. Elle est à une distance de seconde majeure ou mineure de la note constitutive sur laquelle elle se résout, conjointement, par un mouvement descendant ou ascendant ( plus rare ). L'abréviation d'appoggiature est " app ". Quand l'appoggiature comprend la note supéreiure et la note inférieure avant la résolution, elle est dite double appogiature. L'appogiature s'indique par une valeur rythmique précise ou par une petite note. Quand la petite note n'est pas barrée, sa réalisation rythmique dépend de nombreux facteurs. Quand la petite note est barrée, elle doit être jouée comme une note brève placée selon le style, avant ou après le temps. L'appoggiature est un retard sans préparation. En plus de cela, une note de passage située dans un temps fort est perçue comme une appogiature. Aussi une appoggiature peut être simplement rythmique et ne pas impliquer de note étrangère. Le jazz. Le jazz aujourd'hui désigne surtout un ensemble de courants d'origine afro américaine d'un genre unique. Son language s'est renouvelé au cours des décennies. Il serait incongru de vouloir réunir sous une seule et même étiquette les expériences libertaires du free jazz et les arrangements plus consensuels de la Swing Era. Mais il existe un esprit jazz que chacun perçoit plus ou moins intuitivement. Le traitement du rythme et des sonorités en est le caractère le plus évident. Mais l'harmonie joue aussi un rôle important. Le swing. Le swing est une notion essentielle dans le jazz. C'est un effet de balancement résultant d'un conflit rythmique savamment entretenu, une alternance tension/détente reposant sur la combinaison simulatnée de plusieurs actions : la régularité métronomique du mouvement, l'accentuation des temps faibles ( lafter beat ), l'interprétation très souple des croche en ternaire et l'usage de la syncope comme signe de ponctuation musical. Dans un trio de jazz le contrebassiste assure la régularité du tempo avec la walking bass qui consiste à jouer chaque temps de la mesure tandis que le batteur marque l'after beat en fermant du pied les cymbales de la charleston ( hi hat ) sur les temps faibles tout en insufflant la pulsation ternaire en frappant le chabada sur le cymbale ride. De son côté le pianiste souligne les harmonies en plaquant des accords syncopés à la main gauche et improvise de l'autre main un début de croches irrégulières parfois très appuyées parfois littéralement avalées ( les ghost notes ). La notation. Même si toutes les formes rythmiques ont été expérimentées dans le jazz, ce dernier n'en demeure pas moins une musique fondamentalement ternaire. Or il est presque toujours transcrit de façon binaire. La première raison à cela est que la valeur des proches est fluctuante selon le tempo et le style de la pièce. Plus le mouvement est rapide comme dans beaucoup de thèmes du be-bop, plus cette valeur se rapproche de la durée normale d'une croche. Seules les inflexion du phrasé permettent d'évoquer un sentiment ternaire qu'on ne peut transcrire sur le papier. Mais à tempo modéré, la première des 2 croches s'allonge tandis que la seconde est retardée. On a cru longtemps pouvoir l'écrire en croche pointée double puis en 12/8 avec une noire suivie d'une croche mais le résultat, trop rigide, n'était pas satisfaisant. La deuxième raison est d'ordre pratique car c'est plus facile de lire un thème complexe en 4/4 qu'en 12/8 a fortiori si le jeu souvent très libre, amène l'interprète à ajouter diverses ornementations. Le répertoire. Le jazz est une musique de tradition orale et en grande partie improvisée mais les arrangements pour grands orchestres ( les big bands ) et petites formations ( les combos ) sont nombreux et il est rare que les thèmes n'aient pas été écrits. Certains ont été composés par les musiciens de jazz eux même comme Duke Ellington ( Satin Doll ), Thelonious MOnk ( Round About Midnight ), Miles David ( Tune Up ). D'autres proviennent de genres populaires variés comme les comédies musicales de Broadway ( Body And Soul ), la variété internaitonale ( Les Feuilles Mortes ) voire les musiques de films ou de dessins animés ( Some Day My Prince Will Come ). A force d'être joéues et rejouées, ces thèmes deviennent de véritables standards. Les plus connus sont répertoriés dans des recueils appelés Real Book. L'improvisation. Interpréter un standard se déroule en 3 étapes principalement. A savoir l'exposition du thème précédée éventuellement d'une introduction originale. Improvisations d'un ou plusieurs solistes à partir du canevas harmonique lu en boucle. Réexposition du thème et coda. On appelle familièrement chorus qui signifie cheur ou refrain en anglais la phase improvisée par les solistes. Si le sens de ce mot a évolué avec le jazz, c'est parce que beaucoup de standards comme " Les Feuilles mortes " ( devenu Autumn Leaves ), sont d'anciennes chansons à succès, limitées à la seule partie du refrain. Improviser sur le thème revient donc à jouer sur le chorus lui même et par extension à le faire. Ces improvisations peuvent être proches de la mélodie d'origine avec des ornementations plus ou moins développées ou s'en écarter totalement. Dans ce cas seule la progression des harmonies rattache le discours du soliste au thème initial. DUrant un solo de batterie, ces harmonies sont mêmes vouées à disparaître laissant alors à l'interprète le seul décompte des mesures pour repère. QUand un musicien execute un chorus, il passe musicalement au premier plan. Les autres l'accompagnent voire cessent de jouer pour le mettre davantage en valeur et lui laisser plus de liberté. Plusieurs solistes peuvent se succéder donc jusqu'au retour du thème où tarditionnellement, tous les musiciens se remettent à jouer. C'est naturel d'applaudir la fin d'un chorus très réussi ( contrairement à une cadence de concerto classique ). Pour ce qui est de l'esprit de ces improvisations, il est très varié selon l'instrument, l'interprète et le style même s'il s'apparente toujours quasiment à celui d'une narration, guidant l'auditeur progressivement vers un climax particulier avant de conclure et laisser la place au soliste suivant. Un bon narrateur peut émouvoir son auditoire en jouant sur l'émotion, la virtuosité, l'audace et même l'humour, évoquant parfois des fragments de thèmes ou de chorus célèbres. Le chiffrage. .
Détails de rotation. Les 5 lignes et les 4 interlignes d'une portée ne permettent pas d'écrire toutes les notes existantes car elles n'autorisent que 0 notes différentes. Mais la musique nécessité souvent des sons dépassant vers l'aigu ou le grave cet ensemble de 9. Pour cela il est possible d'écrire une note sous la première ligne ainsi qu'une au dessus de la cinquième. Quand cela ne suffit toujours pas, la portée peut être augmentée d'autant de lignes supplémentaires que nécessaire. Pour être visibles, ces lignes doivent légèrement dépasser la largeur de la note qu'elles supportent. Les altérations et accords présentent quelques spécificités de rotation : Les altérations se dessinent devant les notes qu'elles affectent et à la même hauteur. Les altérations placées devant une note restent valables pour toutes les autres notes de même nom et de même hauteur dans la même mesure. Quand plusieurs notes se suivent sur une portée, elles sont jouées l'une après l'autre, de gauche à droite. Cela crée une ligne mélodique. Quand les notes sont disposées les unes au dessus des autres, elles sont jouées simultanément. Cela crée un accord. Les accords peuvent poser quelques problèmes de chevauchements de notes ou d'altérations. Pour les éviter il est possible de décaler légèrement les têtes de notes ou les altérations. Reigstre, tessiture et ambitus. 3 notions donnent des informations sur la hauteur réelle des notes de musique. D'abord il y a le registre qui désigne l'étendue générale de tous les sons, de l'extrême grave à l'extrême aigu. La tessiture : il s'agit de toutes les notes qu'un instrument peut jouer. Le bas de la tessiture de la flûte est dans le registre médium par exemple. Enfin l'ambitus qui est l'étendue des notes d'une mélodie, de la note la plus grave à la plus aigue. La convention des octaves. Pour situer une note précisément dans le registre général, il suffit d'indiquer à quelle octave elle appartient. Il existe d'autres conventions de dénomination comparées dans certains tableaux faits pour cela. . La clé de sol. La clé de sol, abréviation de la clé de sol deuxième ligne, indique que la seconde ligne de la portée représente le sol. Les autres notes sont lues par rapport à ce repère. C'est la clé la plus utilisée pour le médium et l'aigu. La clé de fa. La clé de fa, abréviation de clé de fa quatrième ligne, indique que la quatrième ligne de la portée représente le fa. Les autres notes sont lues par rapport à ce fa, repère. C'est la clé la plus utilisée entre le médium et le grave. Les clés d'UT 4, 3 et 1 Les clés d'ut ( = clés de do ), 4, 3, 1 entourent la quatrième, troisième et première ligne de la portée. La ligne employée représente à chaque fois un do. Les autres notes sont lues par rapport à ce do, repère. Les clés d'ut sont un peu plus rares que ls clés de sol ou de fa. Les clés d'ut 4 sert au trombone, violoncelle, basson, à la contrebasse et anciennement pour ls voix de ténor. Les clés ut3 sert pour le violon alto et anciennement pour les voix d'alto. La clé d'ut 1 servait pour les voix de soprano. Ces clés sont utilisées pour l'étude de l'harmonie. Les autres clés. Pour que le système des clés soit complet, il faut que toute position sur la portée puisse prendre n'importe lequel des 7 nombs possibles. Cela prendra tout son intérêt pour la transposition et pour la lecture du manuscrit d'une partition ancienne. On peut aussi parler de la clé de fa troisième ligne et de la clé d'ut seconde ligne. Ces 2 clés reprennent les symboles déjà étudiés et les placent simplement sur d'autres lignes. Elles servent surtout pour la transposition. La clé de sol première ligne qui fut la clé française pour la notation du violon au XVIIème siècle, est aujourd'hui abandonnée. Les rapports des 7 clés. Le choix d'une clé se fait en fonction du registre. pour éviter le plus possible de lignes supplémentaires. Il est aussi possible de changer de clé à tout moment. L'octaviation. Même en utilisant au mieux les changements de clés, une musique dans l'extrême aigu ou dans l'extrême grave, peut provoquer une lecture malaisée à cause d'une surcharge de lignes supplémentaires. Du coup on pallie la difficulté par les signes d'octava, qui permet d'écrire une musique une octave plus grave que son octave réelle. Si le 8 est remplacé par un 15, la musique est notée 2 octaves plus graves. Ensuite, Octava bassa permet d'écrire une musique une octave plus aigue que son octave réelle. C'est parfois la clé elle même qui porte un 8 et permet donc de transposer toute la portée d'une octave ( souvent pour les voix de ténor ou de 2 octaves avec le chiffre 15 ( partitions d'orgue par exemple. ). Les groupes de portées. Dans les partitions, les portées sont souvent regroupées par ensembles nommés systèmes. Au piano, à la harpe, on utilise le système clé de sol et clé de fa. Les partitions pour quatuor à cordes superposent les portées des 4 instruments. Pour s partitions d'orchestre, chaque instrument a sa portée au sein d'un unique système. Ces portées sont superposées et regroupées par famille grâce à des accolades. De bas en haut : cordes, percussions, cuivres et bois. BIen lire dans les clés. Pour s'exercer à lire dans les clés, le mieux est d'utiliser la version cédérom de cette théorie ou d'acquérir un manuel de solfège.
Le mode blues. Le mode blues est de base un mode pentatonique. Mais il peut être utilisé avec quelques notes de passage, dont une chromatique. Il donne le sentiment de partir du second degré du mode pentatonique et d'être de type mineur. C'est la tierce qui donne son caractère principal au mode blues. A savoir mineure dans les mélodies mais majeures dans les harmonies. C'est une tierce majeure ou mineure. La tierce du blues, quand elles est chantée, est souvent intermédiaire entre le majeur et le mineur : c'est l'une des 3 blues notes, les 2 autres étant la quinte diminuée et la septième mineure. Le mode andalou. La culture ibérique a connu un grand essor à la fin du XIXème siècle que ce soit via le rayonnement de grands compositeurs espagnols comme Albeniz, de Falla ou Granados ou par l'influence qu'elle a exercé sur ls musiciens français comme Ravel, Bizet ou encore Debussy. La richesse des rythmes et le charme des tournures musicales harmoniques et mélodiques des musiques espagnoles sont les raisons pour lesquelles ces musiques espagnoles ont eu autant de succès. On peut notamment citer le mode andalou qui fut utilisé par bien des compositeurs au début du XXème siècle. Il se caractérise par un tierce mobile pouvant être alternativement voire simultanément majeure et mineure. L'intervalle de seconde augmentée optionnelle entre le deuxième et le troisième degré ainsi que le demi ton au dessus de la tonique sont aussi typiques et originales. A noter qu'il peut être penser comme un mode mineur mélodique descendant dont la dominante serait prise comme tonique. On peut prendre les exemples du " Le mode andalou " de Raval, Rhapsodie espagnole où le mode andalou transposé sur fa a nettement une fière allure espagnole alors que celui ci, transposé sur sol de l'exemple " Le mode andalou ", Debussy, Quatuor, est plus abstrait, comme une libre improvisation sur un tapis d'ostinatos. La classification de messiaen. A noter que Olivier Messiaen a classifié 7 notes, allant de 6 à 10 sons. Fasciné par les impossibilités comme les rythmes non rétrogradables, c'est à dire des rythmes identiques qu'ils soient lus de gauche à droite ou droite à gauche, Messiaen s'est intéressé aux modse de transpositions limitées. Il s'agit des modes ne pouvant pas être transposés 11 fois comme les modse mineurs et majeurs car ils redonnent la forme initiale en moins d'étapes. Dans la liste de 7 modes, on a déjà parlé du mode 1, la gamme par tons, et le mode 2, le mode ton/demi ton. Les modes à transpositions limitées de Messiaen montre les 7 modes de Messiaen et indique le nombre de sons de chacun, plus son nombre de formes distinctes. La gamme par tons. On a une gamme par tons instantanément en faisant des notes de passage régulière sur un accord de quinte augmentée car la gamme de tons est formée de 2 accords de quinte augmentée imbriquées. C'est une échelle de 6 sons constituée exclusivement de secondes majeures. L'exception réside dans la tierce diminuée ( enharmonie de seconde majeure ) nécessaire pour retourner à l'octave. La préférence pour les accidents notés, dièses ou bémols, peut souvent varier au fur et à mesure des mouvements mélodiques. C'est une échelle symétrique. Il n'y en a que 2 distinctes car quand on transpose 2 fois de suite l'échelle d'un demi ton, on retombe sur la première. A noter aussi que les 6 sons de l'échelle, plus les 6 sons de l'échelle transposée, totalisent les 12 sons possibles. Pour ces 2 raisons, ce mode est répertorié dans la classification des modes à transpositions limitées de Messiaen : c'est le mode 1. Ce mode peut, comme dans l'exemple " Voiles " de Debussy, créer une atmosphère diaphane, irréelle. Il se suffit dans ce cas à lui même. Une de ses autre Une de ses autres utilisations fréquentes consiste à " noyer le ton ". Le mode a pour utilité de créer dans ce cas une zone floue entre 2 modes ou 2 tonalités. Puis il existe une utilisation inattendue, à savoir quand on altère la quinte d'un accord de septième de dominante, on a un fragment de gamme par tons. Les musiciens de jazz, notamment le pianiste Thelonious Monk, se servent parfois de cette propriété pour jouer une gamme de tons lors des cadences. Les modes du mineur mélodique ascendant. De même que les modes peuvent être construits sur les différents degrés de la gamme majeure, ls musiciens de jazz aiment jouer sur les modes utilisant les degrés de la gamme mineure mélodique ascendante. Parmi les 7 échelles possibles à partir du mineur mélodique ascendant, celle partant du septième degré est particulièrement intéressante et se nomme mode altéré. On peut la concevoir comme l'enchaînement d'un fragment de mode demi-ton/ton avec un fragment de gamme par ton. Cette échelle est surtout utilisée pour improviser sur un accord de dominante altéré, d'où son nom. A noter que le mode acoustique étudié avant cela, et pensé comme une échelle évoquant les harmoniques naturels, se construit également en partant du mineur mélodique ascendant. C'est le mode 4. Le mode ton/demi-ton. . .
La ronde. La ronde dure 4 fois plus longtemps qu'une noire. On dit qu'elle vaut 4 noires. La ronde vaut aussi 2 blanches et 8 croches. La ronde est la figure de note la plus simple car elle n'a qu'un ovale évidé. La ronde est l'unité entière principale et toutes les valeurs se réfèrent à elle pour trouver la mesure. Un blanche se définit comme une demi ronde, le noire se déifnit comme un quart de ronde et la croche un huitième de ronde, etc.... Le rôle de la ronde se vérifie dans les différentes figures de notes. La ronde est le dessin le plus simple, à savoir unovale. La blanche se forme en y ajoutant une hampe. La noire en noircissant l'ovale. La croche en ajoutant un crochet. A chaque nouvelle division correspond un nouvel élement visuel ajouté. Lors de l'interprétation d'une ronde, il faut penser à faire vivre sa durée sur 4 temps car il y a souvent une attaque pui un son qui se meurt. La double croche. Une double croche est 2 fois plus rapide qu'une croche. On dit qu'une croche vaut 2 doubles croches. La noire vaut 4 doubles croches. La ronde vaut donc 16 doubles croches étant donné que la ronde vaut 4 noires. La double croche se dessine comme la croche en ajoutant un deuxième crochet. Quand une musique itilise des croches et doubles croches, les ligatures deviennent indispensables pour regrouper visuellement les notes. Le nombre de barres d'une ligaure permet de différencier les croches des doubles croches. Plus bref que la double croche. La double croche peut à son tour être divisée en 2 triples croches an ajoutant un troisième crochet. La triple croche peut à son tour être divisée en 2 quadruples croches en ajoutant un autre crochet. Une croche vaut donc 2 doubles croches, 4 triples croches, 8 quadruples croches et 16 quintuples croches. Cela veut dire par conséquence qu'une ronde vaut 128 quintuples croches. Les valeure plus petites que lad ouble croches se trouvent surtout dans les musiques lentes dans le cas de phrases très ornementées. Elles sont également souvent liées à des tournures de phrases instrumentales comme des gammes ou des arpèges rapides. Ces gammes étaient souvent nommées dusées dans la musique baroque ( Lully, ouvertures à la français ). On les appelle aussi des traits. Le jazz de style be bop, comme celui de Charlie Parker, aime aussi utiliser des valeurs très brèves. La musique contemporaine demande parfois également qu'une musique soit jouée le plus rapidement possible. Graphies des ligatures. Les ligatures regroupant plusieurs notes suivent les règles gouvernant la direction des hampes. Mais quand un groupe possède des notes nécessitant des directions de hampes opposées, le groupe prend la direction de la note extrême. En cas d'égalité, c'est la direction ascendante qui prime. Quand une musique est écrire sur un système de 2 portées, comme la musique pour harpe ou pour piano, il est possible de dessiner une ligature chevauchant les 2 portées. La musique vocale représente une particularité en ce sens pù quand elle est syllabique, c'est à dire quand une syllabe différente est chantée à chaque note, l'usage veut que l'on évite les ligatures et que chaque note garde son propre crochet. Quand elle est par contre vocalisée ( ou mélismatique ), les ligatures mettent en valeur les différentes notes chantées sur la même syllable. Une même phrase chantée peut bien entendu mélager des moments syllabiques et des moments vocalisés. Plus lent que la ronde. Une durée peut restée en vigueur jusqu'à une époque baroque : c'est la note carrée valant 2 rondes. Elle tombe ensuite en désuétude à l'époque classique où plus aucune figure de note dépassant la ronde ne sera utilisée : les compositeurs préférant alors utiliser les signes de prolongations. La note carrée est dessinée comme un rectangle dont les 2 côtés verticaux dépassent légèrement. Les musiques de la Renaissance et de l'époque baroque utilisaient fréquemment des tempi très rapides, donnant tout son intérêt à cette figure de note qui allait par la suite être abandonnées. Nouvelles notations de durées. Au XXème siècle de nouvelles graphies de durées se sont généralisées. Certaines servent à noter des figures rythmiques qui accélèrent ou ralentissent indépendamment du temps. Le goût pour des groupes de notes répétées, semi improvisés, a conduit à désolidariser les hampes des têtes de notes. Déjà employée dans le Kammerkonzet de Ligeti, cette technique est présente dans le premier Quatuor à cordes de Michael Lévinas. Les silences.
Listes des musiques à jouer au piano. Vous avez envoyé Listes des musiques jouées au piano pianistes classiques célèbres : Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven, Claude Debussy, Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, Piotr Ilitch tchaikovsky, Jean Sébastien Bach, Robert Schumann, Sergueï Rachmaninov, Franz Liszt, Maurice Ravel, Wagner,Franz Schubert pianistes d’aujourd’hui : Lucas Débarque, Valentina Lisitsa, Christoph Eschenbach, Lang Lang, Hans Zimmer, John Williams, Yann Tiersen, Ludovico Einaudi, Ievgeni Kissine, Yiruma, Yeol Eum Son, Chris Martin, Matthew Bellamy, Elton John, Aretha Franklin, Alexia Kley Le beau danube bleu everybody love somebody la marseillaise can can dance of the sugar plum fairy le sud Bad christmas all I want for christmas is you toreador dance of the knights eine kleine ode à la joie twinkle twinkle little star Star wars titanic harry potter mission impossible requiem for a dream les dents de la mer jurassic park indiana jones pirates des caraibes la panthère rose les simpsons avengers the godfather transformers game of thrones interstellar la la land the suicide squad rocky l’odyssée de l’espace LUDWIG VAN BEETHOVEN
your lie in april is an anime and they played this song in one of the scenes so that is why everyone is talking about it. I knew this song waaay before your lie in april.
Please tell me there’s someone else here from Your Lie in April 😂 Edit: nvm, everyone’s here from Your Lie in April from what I can tell from the comments
I'm so glad that Your Lie In April is bringing more people towards classical music. Isn't it gorgeous? I could listen to it all day, full of emotion and relaxing at the same time.
I wanna have one pianist to play this peace together, i'm sure that's one of the happiness times of two. This will be greater when i play the peace with the pianist girl, dreaming that momments, i wanna have one pianist friend, it's great, we can learn and play piano's peaces together for times... i'm trying to translate that waltz for the one piano and i can play alone. It's ok too😉😉😉
I feel like a human emerald, ruby, sapphire and topaz are waltzing together on a white quartz ballroom!
Lol
Julius D. Balthazard can't unimagine it now
Julius D. Balthazard ^^
th-cam.com/video/i18Q2RY1tzc/w-d-xo.html
I like this comment because i see your profile pictures
I really don't know how people can think that classical music is boring , I could listen to it all the day
personal preferences. same way I get bored with sports and yet some and watch it for hours on end.
Rozalind Aria True
Yeah. There are pieces that makes me shivers and sad, and there are also pieces like this one that makes me want to dance. How can you say such music with its richness of expression 'boring' :")
Mari S exactly
I agree
I can imagine myself and a friend sitting down and playing this piece while everyone dances and laughs. I could play this until the end of time.
If only I had another pianist friend.
Friends are useless... grow another pair of hands...
i'll .... be.. your.. friend........
pls?.......
I played this with my guitarist friend who happen to play a piano, and it was so much fun! We once played this with friends watching, they didn't dance but at least swaying left and right to the melody :) this piece is fun
And let's be friends :))
Amelia Paine if you don't have a friend that knows how to play piano and then teach your best friend
if only i had friends.
red - first violins
blue - second violins
green - violas
orange - cello
pink - piano
Poor cellist
When you tell a viola that they are playing the green part:
Ok so i am playing the purple part
Cello and Double bass*
Yeah, my orchestra played this in 7th grade
First thing that comes in mind when I hear this song
1. Sleeping Beauty
2. Your Lie In April
3. Tom And Jerry
Why Tom and Jerry?
CerysCoversandBlogs there was an episode in which this piece played. I don't know the name but it hink it was one in which they had a room with eater and they froze it and started skating or something like that
Sounds about right
2 ❤
iam number 1 and 3, lmao
This reminds me of Nagi and Kousei's performance
I feel kilig by the two of them performing. I don't know why.
YES
Kakikilig kilig nga... Lol
This exactly the reason I searched for this piece
Jordy V. Me too lmao
As you can see, this piece is intended to be played with 2 pairs of hands... Quick, grab a friend!
ME: grab as in invite them or... grab as in kidnap them?
grab them as grabbing them.. i think
(van runs across streets)
youdont wannaknow Well that's the only way I'm going to get a friend so kidnapping it is
Me: what are friends?
youdont wannaknow i cant grab *i dont have friends* 😢
It almost always brings me to tears when those high notes come in at 1:38 , also reminds me of one of my favorite scenes from Your Lie in April
Shigatsu wa kimi no uso
Sleeping beauty
Ahh, the memory of my childhood...
True and I really miss it
Tscaikovsky is happiness.
Rachmaninoff is passion.
Shostakovich is sadness.
Tchaikovsky wrote it, scoring it for a symphonic orchestra. Rachmaninoff later re-scored it for piano.
The first 35 seconds are pure magic and beauty.
I could do it
Johnathon Shakovits true
STFU Liszt!
Of course you could
Lizt Impostor >.>
I'm not a Russian but the Russian classical is the best. Dark and sad melodies. Lovely
Shigatsu wa Kimi no Uso E19
Nagi y Arima tocando este hermoso Vals.
This piece is just very enchanting, magical and glorious, I feel like dancing and waltzing with someone on a luxurious ballroom where everyone is happy dancing and talking to each other. I feel like I am in a magical night, the most magnificent night I'll ever have.
No matter how many times I listen to this, or how long it becomes, this classical piece never ceases to amaze me.!!
Astoundingly amazing and beautifully composed
While this is intended to be a duet, a substantial portion of this could potentially be played by a sufficiently experienced and dextrous solo pianist, with perhaps a few liberties on timing in the bass and dropping a few notes here and there where the note combinations would be impossible without digit extensions.
you'd need to be very very good though
in some parts yes but in some others like 1:39 it would be impossible
Lemond Drops I would use my skilled nose there
wait you could use your nose
less than a portion my friend you might as well just find a solo piece
NO ONE REMEMBER?!?!?!
Disney...
princess aurora
I walked with you once upon a dream. ... You'll love me at once, the way you did once upon a dream. Once upon a night,
SORRY BUT ONCE YOU GO "YOUR LIE IN APRIL" YOU DON'T GO BACK.
🕳 🕳
💧___💧
You thought Sleeping beauty was a good story, BUT THIS ANIME WILL TAKE YOUR SOUL SHOVE IT DOWN A VOID AND GIVE YOU HARD TIME FEELS!!!!
Nah, i've watched it twice and i don't find it as sad as how people like to exaggerate it to be. Sure the second time i feel more for the characters but i find that their romance isn't even developed so they're basically still friends at the end. Sure its sad but not that depressing as compared to so many others like Guilty Crown, Plastic Memories, those kind really makes you feel for the characters as their romance are developed. The thing i like the most about Shigatsu is the classical music used. Extremely great choice and good exposure for me as a classical pianist.
otaku fan123 I thought i was th only one who noticed that
i seen the anime it`s was good i guess now everyone are into yuri on ice
I love playing songs classical like these on the piano and also hearing them
The piece is so good!! I could listen it whole day even in the school
Really really appreciate your lie in April for introducing me to this beautiful piece 🎩
Beautiful piece. This is one of the few pieces I've heard before the age of 5. The nostalgia is real
Tom & Jerry Mice Follies Episode Brought Me Here , So Beautiful ! 💖
2 pianist
1 piano
2 gir.. i'll stop
Power Punch I see what you did there
Should have continued... Now im curious
Husa Z power punch was referring to 2 girls 1 cup
For your information
Lauren Kuelker oh god🤢 not that
i don't really know why, but hearung this from ylia really touched my soul somehow. The feelings can't be put into words but i just feel so much listening to this
So basically Franz Liszt for one person..
God rach and liszt could probably play this themselves yeah
they're wives must be so satisfied
edit right after I typed the comment:holy shit I'm so retarded i cant see the difference between their and they're aaaaaa
@@chromso why didnt you just edit the theyre instead of typing that lmao
Franz Liszt would never dream to reach to Tchaikovsky and Rachmaninoff's level.
I tried i could only do certain sections where there were jumps such as the first few seconds of the music. The rest is just impossible because we only have 10 fingers
Is there a version for one person? I really like the melody but I don’t have any -pianist- friends.
The Siloti transcription is for solo piano, here’s the link: conquest.imslp.info/files/imglnks/usimg/9/9d/IMSLP247445-PMLP26902-Tchaikovsky-Op66.Zps.pdf page 59 I believe.
I too, have no friends
Yay! I was just about to suggest this piece to my teacher. Awesome job!
I’m not a fan of classic music but this is a masterpiece.
lol found my comment in here now after 3 years. I am definitely a classic music fan now XD
My friend Kuku says you're not smart enough and not talented enough to be a musician. Says she has more friends and more money than you.
Closed my eyes, tears rolled down my face pictured nagi and Kousei playing.
So pretty, I remember this song when i was little and i was watching the cartoon by disney :)
YES THIS IS EXACT ONE I WAS FINDING. there was so many versions of this waltz, I couldn't find the one from Your lie in April
MY TWO FAVORITE COMPOSERS WORKING TOGETHER WHAT VERSION OF HEAVEN HAVE I FOUND
By readings the comics of Spiderman, and the moments when something bad is about to happen, this song remembers me how powerless i can be....and the anger within
Zero dislikes. It should stay like that.
it didn't tho.. 2 dislikes and I'm not one of them
Idk why, But I think commenting a video have 0 dislikes makes plp to dislike it
There b 7
You jinxed it.
+10 ( updated march 2017 )
Notes a little behind... but yet surprises me by the people who disliked, this song inspired me to play the piano since I was 6. People need to ease down listening to pop, EDM, and other modern songs. They need to learn about the past through music.
Thank you for making this! I learned both parts and its so fun to play!
Do you remember where you got the score for this piece?
@@collectorofcats294 I just used the video it and learned it with my brother :)
I was waiting for this, Thank you. Great as expected!
just finished your lie in april for the 8th time and i already wanna rewatch
That is me as well. Right now I’m rewatching Fairy Tail and then I plan on watching YLIA for the 8th or 9th time. Right now I’m trying to find the score for this piece and I can’t find one with notation that is big enough for my 54 year old eyes to read!!!
This is the waltz Nanggi & Kousei played on Nanggi's School festival!!!! I love this waltz.....
Nagi*
The first slepping beauty in sythesia
Thank you soo much
Your Lie in April... The memories ;-;
That's what it was. I really hate bittersweet ending 😢😢😢
it needs a faster tempo to be close to your lie in april
+Noah Moore yup
The only thing good in that anime is the music
+Patekpo Your bait is so edgy I love it.
This song is so joyful!
beautifully performed, just love this piece, so enchanting, grand job, brings back happy memories when I had the opportunity to dance to this beautiful tune in my ballet School. just SUPERB.
Great, now I need to find somebody to play this with
I literally cried I thought one person had to do this for a second
It is the best composition of Tchaikovsky. In my opinion it is the best
puppet master marionette that's like all... I like more the swan lake one... and there are bunch less idiots "reaching her's"
Woww this piece sound so beautifull, Nice job
Quack.
Excellent.
Alright. 4 months later and here I am. Learning the bass. So far. I am currently trying to memorize it. I am reee a minute in.
SHIGATSU WA KIMI NO USO!! ♡♡
Yesssssssss
YESSSSSSSSSSSSSSS😭😭😭😭😭😭
Just appreciate the song, dammit
Mount Choco *did you just say song*
idk why i get addicted to this melody.
This music makes me happy each time I listen to it
I requested this?! I requested this! Thanks so much mate
Estoy aquí por Shigatsu wa kimi no uso 🥺❤️
Simón bro✌️
i want to play this with my friend at our christmas program..think we can do this..cause I'm just at the intermediate level on our piano lessons while she is already a pro
Les 7 notes.
Quand on jour de la musique, on produit des vibrations donc des sons. Selon les cas on chante, frappe, gratte, frotte, souffle, clique, etc... Si on joue de la batterie on produit des sons percussifs parfaits pour le rythme mais les hauteurs de ces sons ne sont pas facilement identifiables par l'oreille et on peut les imiter par des onomatopées ou des bruitages mais on ne peut pas les changer. La batterie est un instrument à hauteurs indéterminées. Pour jouer une mélodie on utilise un instrument à hauteurs déterminées comme le piano ou la guitare, le xylophone, la flûte ou le violon.
L'aigu et le grave.
Les hauteurs musicales déterminées ou indéterminées peuvent se classer les unes par rapport aux autres en plus ou moins aigues ou graves.
Par exemple les petits instruments à vent donnent des sons plus aigus que les gros et les cordres épaisses des instruments à cordes donnent des sons plus graves que les cordes fines. Au piano le grave est à gauce et l'aigu à droite;.
La hauteur d'un son correspond à un certain nombre de vibrations par seconde, appelé fréquence. Elle s'exprime en Hertz. 1 Hertz = 1 vibration par secnde. L'oreille humaine perçoit les sons sitées entre 20 et 20 000 Hertzs..
La justesse.
Quand on entend un instrumentiste à vent ou à corder, on peut avoir l'impression qu'il joue faux car il faut de la maîtrise pour parvenir à la justesse. Comparer les écarts de justesse revient à comparer mentalement la hauteur des notes qu'on entend avec celles des notes justes imaginées. A certaines époques et pour la plupart des instruments, ls systèmes d'accord sont différentes de celui de la musique classique et peuvent procurer le fausse sensation de jouer faux.
Pour qu'un interprète joue les notes désirées, son instrument doit être accordé.
Certains instruments doivent être accordés chaque fois avant de jouer comme la guitare, la flûte et le violon. Parfois plusieurs fois par concert dans le cas de la hartep ou des timbales car ils ne gardent pas longtemps ld'accord. Le piano nécessite un accordage moins fréquent. La fréquence de l'accordage dépend du lieu et de l'utilisation. Pour un particulier, de temps en temps suffit largement mais un instrument d'un professionnel sera accordé avant chaque concert. Pour ce qui est de l'orgue, il peut s'écouler plusieurs siècles avant un réaccord car c'est une opération complexe et très coûteues. Parfois des instruments comme les cloches, xylophones, harmonicas, ne sont accordés que lors de leur fabrication. L'accord d'un instrument peut parfois nécessiter l'intervention de professionnels. Les musiciens utulisent généralement un diapason donnant un son de référence, souvent le la qui est la sonorité qu'on entend quand on décroche le téléphone fixe. Il y a aussi des accordeurs électroniques qui indiquent la précision de l'accord à l'aide d'un cadran gradué.
L'ensemble des hauteurs musicales de l'extrême grave à l'extrême aigu semble quasi infini. Le piano a certes 88 touches donc on se dit qu'il y a 88 notes différentes. Heureusement il n'y a pas 88 noms de notes à connaître car certaines de ces notes sont des hauteurs qui sonnent de manière si apparentée qu'elles portent le même nom. Ce sont les notes en rapport d'octave. 2 notes séparées par 12 touches sont dites "à l'octave " et portent le même nom.
Un octave contient 12 touches certaines blanches et d'autres noires. Donc 12 notes différentes. En fait il n'y a que 7 noms de notes mais il y a 5 altérations. Soit 7 noms de notes conjugués avec 5 types d'altérations différentes soit 35 noms combinés possibles. Une octave au piano a 7 touches blanches qui sont les 7 notes naturelles : do ré mi fa sol la si. Il y a aussi 5 touches noires qui sont des notes altérées. Leurs noms nécessitent des combinaisons non simple + altération, comme do dièse. Elles sont disposées par groupes de 2+3 ou 3+2. A noter que les touches blanches peuvent être aussi désignées par des noms combinées, comme si dièse. Dans ce cas elles deviennent des notes altérées. Le choix du clavier de piano est pratique pour visualiser les notes de musique même si le xylophone est pas mal dans le genre.
Les 5 altérations.
Les 7 notes naturelles peuvent être modifiées par des altérations. Une altération agit sur la hauteur d'une note an ajoutant ou en ôtant des demis tons. Un demi ton est la plus petite différence entre 2 hauteurs de notes dans le système musical occidental. On trouve cette différence pour les notes naturelles, entre mi et fa, et entre si et do. Les autres notes naturelles voisines sont séparés par des tons entiers. Les demi tons ne sont égaux que dans le cadre du tempérament égal. Dans ce système le demi ton partage l'octave en 12 parties égales. Ce système s'est généralisé à partir du XVIIIème siècle et de nombreux instruments sont désormais accordés en tempérament égal. Sur un clavier de piano il y a 2 cas. D'abord les touches blanches mi fa et si do ne sont pas séparées par des touches noires et les faire jouer l'une après l'autre fait entendre des demi tons. Mais les autres touches blanches sont séparées par des touches noire et donc lers jouer l'une après l'autre fait entendre des tons entiers. Il y a 65 types d'altérations. Il y a le dièse et le bémol. Il y a le double dièse et le double bémol. Et il y a le bécarre qui sert à annuler l'effet des 4 altérations précédentes. Au début du Moyen Age, les notes naturelles sont utilisées mais le système des altérations se développe lentement au fur et à mesure des nouveaux besoins des cmopositeurs. La dièse ajoute un demi ton aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient polus aigue. Le bémol ôte une demi ton aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus grave. La bécarre annule l'effet d'une altération précédente. Si on trouve un do dièse dans une partition. Si après dans la même mesure, il y a un autre do de même hauteur mais sans altération, il sera également joué do dièse. Pour que soit joué un do naturel, il faut jui adjoindre un bécarre car l'effet d'une altération reste valable pour toutes les notes suivantes identiques de même mesure.
Pour résumer, Le dièse (dièse) est l’altération qui élève la note d'un demi-ton chromatique.
Le bémol (bémol) est l’altération qui abaisse la note d'un demi-ton chromatique.
Le bécarre (bécarre) annule l’effet de toutes les altérations précédentes (qu’elles soient simples ou doubles, constitutives ou accidentelles) et rend à une note sa hauteur naturelle.
Le double dièse ajoute 2 demi tons aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus aigue. Le double bémol. Le double bémol ôte 2 demi tons aux notes naturelles. Il change la hauteur de la note qu'il altère : elle devient plus grave.
L'enharmonie.
Une enharmonie est le rapport entre 2 notes ayant la même hauteur mais portant des noms différents. Ca arrive car il existe 35 noms possibles pour seulement 12 hauteurs différentes. Le choix de l'altération du compositeur dépend du contexte mmudical dans lequel intervient la note : 1, mouvement mélodique acsendant ou descendant. 2, tonalité du morceau. 3, contexte harmonique. L'altération choisie est généralement une indication sur l'intention du compositeur, bien que les questions enharmoniques aient tendance à perturber de leur importance pour les musiques sortant du cadre de la tonalité. A noter qu'en tempérament égal, 2 notes enharmoniques peuvent présenter une légère différence.
Le système d'altérations anglais.
Le système de notation anglais utilise les altérations comme le système français. Il suffit de traduire :
dièse = sharp
double dièse = double sharp
bécarre = natural
bémol = flat
double bémol = double flat
Le système d'altérations allemand.
Le système de notation allemand incorpore l'altération au nom de la note par l'ajout de syllables.
La dièse = nom de la note + is.
Le double dièse = nom de la note + isis.
le bémol = nom de la note + es
le doublé bémol = nom de la no te + eses
le bécarre ne s'incorpore pas et se nomme Aufloser.
2 exceptions : le la (a) procède pour les bémols, par ajout de "s" :
Le b désigne le si bémol alors que le si naturel est désigné par h. La série du si est donc heses, b, h, his et hisis.
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HOW CAN I FIND THE PIANO SHEET
musescore.com/user/1457771/scores/1722446 This is the link to the sheet from MuseScore, hope you see this :D
i plan to learn piano because of this piece, this song keeps me sane LOL
I'm learning this with a friend of mine haha
Kuroo Tetsurou me too! How was it?
Gimme a link to the vid pl0x D';
Do you have the sheet, or only with this video?
I wish I had a friend that is a pianist
It's been four years, how is it?
For two people huh
How nice
I can already feel the pain in my wrists
Bro i wish i had someone i could play this piece with
Played this duet with my friend once, sadly he isn't here with me anymore... rest in peace...
holy crap! how is a human with only two hands supposed to play this song? it's crazy!
mina mii19 its a duet
When you've practiced and you already have the skills but you're still missing something
1. A bigger keyboard (I was able to practice at school but my keyboard home isnt complete.)
2. A friend
I played this song on my violin when I was three I kid u not when I was three my parents made me play a musical instrument but now that I am older I am greatfull
This make me fall in love
One thing that comes to mind when I hear this piece: Bee Smart Baby Action Words Vol. 3.
Galaxies, too.
Fuuuck. I was hoping I could learn this one day, but there's no way I'll be able to play this myself without a partner.
Le voicing.
Etre en mesure d'analyser un accord chiffré est quelque chose, mais le faire sonner en est une autre. Une bonne connaissance des voicings est indispensable. Le concept de voicing désigne à la fois la conduite des voix intermédiaires et la manière de disposer ces voix. C'est difficile d'harmoniser correctement un standard sans maîtriser cette notion. Dans bien des cas il est nécessaire d'enrichir les accords et de les disposer de façon à obtenir certaines couleurs en harmonie avec le style du morceau ou au contraire, radicalement novatrices. Certains voicings particulièrement appréciés ont marqué l'histoire et se sont vus attribuer le nom de leur géniteur. On peut parler des voicings de Kenny Barron ou de Bill Evans.
Les grilles.
Le mot grille désigne ces petits tableaux dans lesquels les musiciens de jazz ou de variété inscrivent le chiffrage des accords. Les harmonies sont regroupées par cases et présentées indépendamment de la mélodie souvent d'ailleurs pour les bassistes et les guitaristes. Chaque case correspond à une mesure et si les 2 accords s'enchaînent dans cette seule période, on séparer les 2 symboles par une barre oblique. Dans une mesure à 4 temps, chaque accord vaut donc 2 temps et avec ce système pas besoin de connaître le solfège rythmique. Une grille comporte en général 12, 16 et 32 mesures, le plus souvent de forme AABA, et se joue en boucle. Elle est de nature plus ou moins complexe selon la présence éventuelle d'une introduction, d'un point et/ou d'une coda. Avec la pratique le terme a fini par se généraliser. De nos jours on l'emploi indifféremment pour désigner tableaux et lead sheets. Le chiffrage comme on a pu le voir dans les partitions de type Real Book, est le plus souvent indiqué au dessus de la mélodie. Parfois, cette notation s'enrichit de petits diagrammes présentant la position des doigts sur la manche d'une guitare.
Le blues.
Les modes.
Le Moyen Age musical se caractérisait souvent par ses degrés de récitation, ses règles d'enchaîneements, ses formules d'intonation et ses finales. Les modes modernes ont fait des expérimentations de cominaisons de tons et demi tons pour susciter des couleurs alternatives aux sempiternels modes majeur et mineur.
Il y a les modes naturels qui sont la reprise des modes du Moyen Age et de la Renaissance pour leur charme médiéval, ancien mais avec des nouveautés découlant de l'esprit d'harmonique de l'époque moderne. Le jazz en fait aussi usage. Parmi les synonymes des modes naturels on a les modes ecclésiastiques, d'Eglise et les modes diatoniques, voire, les modes grescs même s'ils sont à proscrire car erroné. Ensuite il y a les modes artificiels qui sont de nouvelles échelles créées par un désir de sonorités et de nouvelle rhétoriques : la gramme par tons, le mode ton/demi ton, le mode de Bartok. Enfin il y a les modes ethniques qui sont les adoptions de nombreuses échelles caractéristiques, suscitée par l'éveil des écoles nationales et par un goût pour l'exotisme : gamme chinoise, mode andalou, mode de Java, modes d'Europe centrale, échelles karnatiques d'Inde. Ils sont innombrables dont il s'agira seulement de parler des plus fréquentes et celles qui furent utilisées plus récemment.
Pour ce qui est des modes naturels, le Moyen Age avait mis au point un système de 8 modes ( l'octoéchos ). 4 nouvelles échelles les complétèrent à la Renaissance. Construites à partir du la et du do, elles préfiguraient les modes mineures et majeures. Ce système modal fut abandonné à l'époque baroque. QUand les compositeurs, pour renouveler le langage, les compositeurs de la fin du XIXème siècle reprirent ces échelles anciennes, les 12 modse furent réduits à 6 car il n'a plus été tenu compte des différences d'ambitus ( formes authentes et plagales ). De plus un septième mode construit à partir du si fut ajouté. Chaque note naturelle peut être le départ d'un mode. On dit alors selon la note de départ, mode de do, mode de ré,, etc.... Une deuxième terminologie d'origine grecque s'est généralisée depuis le IXème siècle. Bien que provenant d'une lecture erronée de la théorie grecque, elle propose une alternative courante de dénomination. Dans la pratique, chacun des 7 modes peut être transposé sur les 12 degrés chromatiques. On peut avoir un mode de ré transposé sur mi, un mode de fa transposé sur ré bémol, etc.... On peut joeur ces modes, explorer leurs harmonies et noter les cadences particulières qu'ils permettent. Des compositeurs ont mis en valeur ces enchaînements harmoniques caractéristiques. Notament en mode ré, le rapport plagal ( IV -I ) est souvent privilégié avec son enchaînement entre un quatrième degré majeur et un premier degré mineur.
Une méthode pour construire les modes naturels.
Les différents modes se comprennent et se perçoivent par eux même. Mais pour leur apprentissage, il y a une autre méthode de construction par comparaison avec le majeur et le mineur mélodique descendant. Elle permet de parvenir à une très grande vivacité. Il suffit d'apprendre les notes caractéristiques de grande échelle. A part le mode de si, comportant 2 notes caractéristiques, aucun mode n'a plus d'une note caractéristique à mémoriser. Exemple d'application : imaginons qu'on souhaite consturire un mode de mi, transposé sur fa. Il suffit d'imaginer un mode de fa mineur mélodique descendant et d'ajouter la note caractéristique, le second degré abaissé.
Une classification des modes naturels.
Pour reconnaître à l'oreille 7 modes diatoniques, on les classe en regardant si leurs deuxième, troisième, 6ème et 7ème sont majeures ou mineures et si leurs quartes et quintes sont justes. En suivant le cycle des quintes, on ne modifie à chaque fois qu'un intervalle et on passe du plus sombre, le mode de si, au plus lumineux, le mode de fa.
Le mode pentatonique ( ou pentaphonique ).
Contrairement aux gammes diatoniques, les modes ne sont pas toujours faites de 7 notes. Il peuvent n'en avoir que 4 ( modes tétraphoniques ). Ou alors 5. Voire parfois plus, à savoir 8, 9, voire 11 ou 12.Le mode de 5 sons dit mode pentatonique ou pentaphonique est presque un mode universel tant le nombre de cultures l'ayant utilisé est varié. Mais ses 2 zones géographiques principales se trouvent en Afrique et en Asie. Il faut noter qu'il y est aussi en Occident et qu'il est parfois à l'origine de la formation des modes grégoriens. Mais il est parfois utilisé sans connotation historique ou ethnique particulière. Une de ses particularités est de n'avoir aucun demi ton. Aussi il est qualifié de mode anhémitonique. Pour visualiser instantanément ce mode il suffit de remarquer qu'il correspond aux touches noires du piano.
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I love Classic... and you know why?
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Was it Your Lie in April
@@beancate of course, it is. I got back into piano after being inspired by the various quotes the show had.
At least that got you into the great and brilliant world of classical music..
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La transposition.
Il y a plusieurs raisons pour transposer. La transposition peut changer la hauteur d'un morceau entier. C'es une pratique courante pour les chanteurs et instrumentistes souhaitant qu'un morceau corresponde à leur tessiture. la transposition peut résoudre des cas d'instruments aux diapasons différents à partir d'un demi ton d'écart. La transposition peut déclarer un thème, un motif ou faire des marches d'harmonies. Pour ceux souhaitant travailler l'improvisation, transposer de courts motifs dans tous ls tons est un exercice efficace pour progresser. Et les thèmes d'une composition sont couramment présentés dans différentes tonaltiés. Aux moments de développements, notamment, les motifs présentent de grands parcours tonals. Le transposition est aussi indispensable dans le cas des instruments transpositeurs. Ces instruments font entendre une autre note ( la note réelle ) que celle écrite que leur partition ( la note écrite ). La transposition permet de rétablir la réalité à la lecture ou à l'interprétation ( cas où l'instrument transpositeur est différent de celui qui était prévu au départ ).
Une méthode simple de transposition consiste à ajoute rou enelver un intervalle fixe à la musique à transposer. Cela se pratique tout autant mentalement ( cela s'appelle transposer à vue ) que par écrit. L'avantage de la méthode est du à la simplicité car il suffit juste de bien connaître les intervalles. Cette méthode a quand même des limites car si on veut faire une transposition à vue d'une partition d'orchestre avec plusieurs transpositeurs, cela devient trop lent. On passe trop de temps à calculer les intervalles pour rester dans le tempo musical. Dans un tel cas, il faut ransposer pour les clés. Pour ce qui est de transposer les clés, en changeant mentalement de clé, il est possible de lire directement une musique dans une nouvelle tonalité. La tonique du ton dans lequel on est, doit devenir la tonique du ton dans lequel on va. Il faut donc s'imaginer la tonique de départ écrire sur la portée, puis trouver la clé permettant de la lire comme la nouvelle tonique d'arrivée. En do majeur, il n'y a rien à la clé. On peut prendre un exemple en clé de sol, extrait d'un quatuor de Haydn. Ecrit en fa majeur, il est à transposer vers do majeur. La clé de lecture sera fa 3. Car nous voulons que là où nous lisons fa, nous lisons désormais do. Le fa de la clé de sol est écrit dans le premier interligne, comme le do de la clé de fa 3. Dans un autre exemple, si on transpose en do majeur, et qu'on est en ré majeur, il faut que ré devienne un do. Donc la clé d'ut4 permet d'y arriver.
A noter qu'il y a une limitation aux transpositions car elles sont toujours d'un ton majeur vers un autre ton majeur ou d'un ton mineur vers un autre ton majeur. On ne change donc pas de mode. On change simplement de tons. Quand la musique à transposer contient des altérations accidentelles , cela nécessite une opération supplémentaire. On peut prendre l'exemple du thème " Dans la halle ru doi de la montagne " de Peer Gynt de Grieg de si mineur vers fa mineur. Toutes les altérations accidentelles ont été modifiées. Les dièses et bécarres de la mesure 2 sont devenus des bécarres et bémols et le bécarre de précaution de la mesure 4 est devenu un bémol de précaution. Pour une transposition par les clés il faut donc aussi déterminer le nombre x d'altérations accidentelles devant être corrigés ainsi que le type de correction. Il faut regarder la différence d'armure entre les 2 tonalités. Repérez vos tonalités et comptez le nombre de colonnes les séparant. Il faut ensuite trouver la direction de la correction pour les x notes à corriger. Si le deuxième tonalité est plus à droite que la première, la modulation va vers les dièses et il faudra hausser ls altérations. Si la seconde tonalité est à gauche de la première, la modulation va vers les bémols et il faudra abaisser les altérations. Un cas délicat se produit parfois : une modulation peut enchaîner 2 tonalités ayant plus de 7 quintes d'écart par exemple de ré bémol majeur vers si majeur. Il faut dans ce cas hausser les altérations devant 10 notes : fa, do, sol, ré, la, mi, si, fa, do, sol. Comme fa, do et sol sont lus 2 fois dans cette liste, leurs corrections vont s'additionner. En ce qui concerne les dièses et double dièses, ils vont nécessiter obligatoirement une enharmonie.
L'appoggiature ( harmonique ). L'appoggiature est une note étrnagère attaquée sur un temps fort ou une partie forte d'un temps. De l'italien appoggiare, appuyer, elle implique une accentuation. Elle est à une distance de seconde majeure ou mineure de la note constitutive sur laquelle elle se résout, conjointement, par un mouvement descendant ou ascendant ( plus rare ). L'abréviation d'appoggiature est " app ". Quand l'appoggiature comprend la note supéreiure et la note inférieure avant la résolution, elle est dite double appogiature. L'appogiature s'indique par une valeur rythmique précise ou par une petite note. Quand la petite note n'est pas barrée, sa réalisation rythmique dépend de nombreux facteurs. Quand la petite note est barrée, elle doit être jouée comme une note brève placée selon le style, avant ou après le temps. L'appoggiature est un retard sans préparation. En plus de cela, une note de passage située dans un temps fort est perçue comme une appogiature. Aussi une appoggiature peut être simplement rythmique et ne pas impliquer de note étrangère.
L'anticipation.
L'anticipation se caractèrise par une note jouée avant l'accord auquel elle appartient. A ce moment cette note est dissonante. Lors de l'arrivée de l'accord, la note est rejouée comme une note réelle. Elle se signale par une note répétée. Une anticipation est généralement plus brève que la note constitutive qu'elle anticipe. Son abréviation est " ant ". L'anticipation apparait souvent au moment des cadences conclusives. L'exemple de " Anticipations " Haydn, Final du Quatuor, opus 33, numéro 2, montre 2 anticipations : le fa de la mesure 2 et le si bémol de la mesure 4. Ces 2 notes sont dissonantes par rapport à l'harmonie. L'exemple présente de nombreuses autres notes répétées mais celles ci sont consonantes du coup elles ne peuvent être qualifiées d'anticipations.
L'échappée.
L'échappée est une note ornementale disjointe. Le plus souvent elle se présente comme une broderie supérieure sans troisième note. C'est pourquoi on la nomme sous cette forme broderie tronquée. C'est une des notes ornementales les plus libres. Son abréviation est " éch ".
La note pédale.
La note pédale est une note tenue. Selon les harmonies qui surviennent durant une note pédale, elle peut à tout moment passer de consonance à dissonance. Toute voix peut porter une note pédale, mais ce type de note étrangère est souvent usuel à la basse. Son abréviation est " péd ". Il ne faut pas confondre avec le symbole désignant l'utilisation de la pédale de résonance du piano. Au sein d'un thème, il est fréquent de trouver une pédale de tonique. par contre c'est souvent une pédale de dominante qui prépare l'apparition ou le retour d'un thème important.
Groupes de notes étrangères.
Les différentes notes étrangères peuvent se combiner entre elles. On peut entendre des broderies de la broderie, des appoggiatures brodées, des anticipations d'une note de passage.
Les notes étrangères et le chiffrage.
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L'appoggiature ( harmonique ).
L'appoggiature est une note étrnagère attaquée sur un temps fort ou une partie forte d'un temps. De l'italien appoggiare, appuyer, elle implique une accentuation. Elle est à une distance de seconde majeure ou mineure de la note constitutive sur laquelle elle se résout, conjointement, par un mouvement descendant ou ascendant ( plus rare ). L'abréviation d'appoggiature est " app ". Quand l'appoggiature comprend la note supéreiure et la note inférieure avant la résolution, elle est dite double appogiature. L'appogiature s'indique par une valeur rythmique précise ou par une petite note. Quand la petite note n'est pas barrée, sa réalisation rythmique dépend de nombreux facteurs. Quand la petite note est barrée, elle doit être jouée comme une note brève placée selon le style, avant ou après le temps. L'appoggiature est un retard sans préparation. En plus de cela, une note de passage située dans un temps fort est perçue comme une appogiature. Aussi une appoggiature peut être simplement rythmique et ne pas impliquer de note étrangère.
Le jazz.
Le jazz aujourd'hui désigne surtout un ensemble de courants d'origine afro américaine d'un genre unique. Son language s'est renouvelé au cours des décennies. Il serait incongru de vouloir réunir sous une seule et même étiquette les expériences libertaires du free jazz et les arrangements plus consensuels de la Swing Era. Mais il existe un esprit jazz que chacun perçoit plus ou moins intuitivement. Le traitement du rythme et des sonorités en est le caractère le plus évident. Mais l'harmonie joue aussi un rôle important.
Le swing.
Le swing est une notion essentielle dans le jazz. C'est un effet de balancement résultant d'un conflit rythmique savamment entretenu, une alternance tension/détente reposant sur la combinaison simulatnée de plusieurs actions : la régularité métronomique du mouvement, l'accentuation des temps faibles ( lafter beat ), l'interprétation très souple des croche en ternaire et l'usage de la syncope comme signe de ponctuation musical. Dans un trio de jazz le contrebassiste assure la régularité du tempo avec la walking bass qui consiste à jouer chaque temps de la mesure tandis que le batteur marque l'after beat en fermant du pied les cymbales de la charleston ( hi hat ) sur les temps faibles tout en insufflant la pulsation ternaire en frappant le chabada sur le cymbale ride. De son côté le pianiste souligne les harmonies en plaquant des accords syncopés à la main gauche et improvise de l'autre main un début de croches irrégulières parfois très appuyées parfois littéralement avalées ( les ghost notes ).
La notation.
Même si toutes les formes rythmiques ont été expérimentées dans le jazz, ce dernier n'en demeure pas moins une musique fondamentalement ternaire. Or il est presque toujours transcrit de façon binaire. La première raison à cela est que la valeur des proches est fluctuante selon le tempo et le style de la pièce. Plus le mouvement est rapide comme dans beaucoup de thèmes du be-bop, plus cette valeur se rapproche de la durée normale d'une croche. Seules les inflexion du phrasé permettent d'évoquer un sentiment ternaire qu'on ne peut transcrire sur le papier. Mais à tempo modéré, la première des 2 croches s'allonge tandis que la seconde est retardée. On a cru longtemps pouvoir l'écrire en croche pointée double puis en 12/8 avec une noire suivie d'une croche mais le résultat, trop rigide, n'était pas satisfaisant. La deuxième raison est d'ordre pratique car c'est plus facile de lire un thème complexe en 4/4 qu'en 12/8 a fortiori si le jeu souvent très libre, amène l'interprète à ajouter diverses ornementations.
Le répertoire.
Le jazz est une musique de tradition orale et en grande partie improvisée mais les arrangements pour grands orchestres ( les big bands ) et petites formations ( les combos ) sont nombreux et il est rare que les thèmes n'aient pas été écrits. Certains ont été composés par les musiciens de jazz eux même comme Duke Ellington ( Satin Doll ), Thelonious MOnk ( Round About Midnight ), Miles David ( Tune Up ). D'autres proviennent de genres populaires variés comme les comédies musicales de Broadway ( Body And Soul ), la variété internaitonale ( Les Feuilles Mortes ) voire les musiques de films ou de dessins animés ( Some Day My Prince Will Come ). A force d'être joéues et rejouées, ces thèmes deviennent de véritables standards. Les plus connus sont répertoriés dans des recueils appelés Real Book.
L'improvisation.
Interpréter un standard se déroule en 3 étapes principalement. A savoir l'exposition du thème précédée éventuellement d'une introduction originale. Improvisations d'un ou plusieurs solistes à partir du canevas harmonique lu en boucle. Réexposition du thème et coda. On appelle familièrement chorus qui signifie cheur ou refrain en anglais la phase improvisée par les solistes. Si le sens de ce mot a évolué avec le jazz, c'est parce que beaucoup de standards comme " Les Feuilles mortes " ( devenu Autumn Leaves ), sont d'anciennes chansons à succès, limitées à la seule partie du refrain. Improviser sur le thème revient donc à jouer sur le chorus lui même et par extension à le faire. Ces improvisations peuvent être proches de la mélodie d'origine avec des ornementations plus ou moins développées ou s'en écarter totalement. Dans ce cas seule la progression des harmonies rattache le discours du soliste au thème initial. DUrant un solo de batterie, ces harmonies sont mêmes vouées à disparaître laissant alors à l'interprète le seul décompte des mesures pour repère. QUand un musicien execute un chorus, il passe musicalement au premier plan. Les autres l'accompagnent voire cessent de jouer pour le mettre davantage en valeur et lui laisser plus de liberté. Plusieurs solistes peuvent se succéder donc jusqu'au retour du thème où tarditionnellement, tous les musiciens se remettent à jouer. C'est naturel d'applaudir la fin d'un chorus très réussi ( contrairement à une cadence de concerto classique ). Pour ce qui est de l'esprit de ces improvisations, il est très varié selon l'instrument, l'interprète et le style même s'il s'apparente toujours quasiment à celui d'une narration, guidant l'auditeur progressivement vers un climax particulier avant de conclure et laisser la place au soliste suivant. Un bon narrateur peut émouvoir son auditoire en jouant sur l'émotion, la virtuosité, l'audace et même l'humour, évoquant parfois des fragments de thèmes ou de chorus célèbres.
Le chiffrage.
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Аж дух захватывает!!! Очень красиво мне лично понравилось
Brings me back to Paris, 1943 or Budapest, 1913 or Shanghai, 1928 or even Vienna, 1879. Ohhh the memories I have had in my past lives.
I wanna back to that time
Détails de rotation.
Les 5 lignes et les 4 interlignes d'une portée ne permettent pas d'écrire toutes les notes existantes car elles n'autorisent que 0 notes différentes. Mais la musique nécessité souvent des sons dépassant vers l'aigu ou le grave cet ensemble de 9. Pour cela il est possible d'écrire une note sous la première ligne ainsi qu'une au dessus de la cinquième. Quand cela ne suffit toujours pas, la portée peut être augmentée d'autant de lignes supplémentaires que nécessaire. Pour être visibles, ces lignes doivent légèrement dépasser la largeur de la note qu'elles supportent. Les altérations et accords présentent quelques spécificités de rotation : Les altérations se dessinent devant les notes qu'elles affectent et à la même hauteur. Les altérations placées devant une note restent valables pour toutes les autres notes de même nom et de même hauteur dans la même mesure. Quand plusieurs notes se suivent sur une portée, elles sont jouées l'une après l'autre, de gauche à droite. Cela crée une ligne mélodique. Quand les notes sont disposées les unes au dessus des autres, elles sont jouées simultanément. Cela crée un accord.
Les accords peuvent poser quelques problèmes de chevauchements de notes ou d'altérations. Pour les éviter il est possible de décaler légèrement les têtes de notes ou les altérations.
Reigstre, tessiture et ambitus.
3 notions donnent des informations sur la hauteur réelle des notes de musique.
D'abord il y a le registre qui désigne l'étendue générale de tous les sons, de l'extrême grave à l'extrême aigu.
La tessiture : il s'agit de toutes les notes qu'un instrument peut jouer. Le bas de la tessiture de la flûte est dans le registre médium par exemple.
Enfin l'ambitus qui est l'étendue des notes d'une mélodie, de la note la plus grave à la plus aigue.
La convention des octaves.
Pour situer une note précisément dans le registre général, il suffit d'indiquer à quelle octave elle appartient. Il existe d'autres conventions de dénomination comparées dans certains tableaux faits pour cela.
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La clé de sol.
La clé de sol, abréviation de la clé de sol deuxième ligne, indique que la seconde ligne de la portée représente le sol. Les autres notes sont lues par rapport à ce repère. C'est la clé la plus utilisée pour le médium et l'aigu.
La clé de fa.
La clé de fa, abréviation de clé de fa quatrième ligne, indique que la quatrième ligne de la portée représente le fa. Les autres notes sont lues par rapport à ce fa, repère. C'est la clé la plus utilisée entre le médium et le grave.
Les clés d'UT 4, 3 et 1
Les clés d'ut ( = clés de do ), 4, 3, 1 entourent la quatrième, troisième et première ligne de la portée. La ligne employée représente à chaque fois un do. Les autres notes sont lues par rapport à ce do, repère. Les clés d'ut sont un peu plus rares que ls clés de sol ou de fa. Les clés d'ut 4 sert au trombone, violoncelle, basson, à la contrebasse et anciennement pour ls voix de ténor. Les clés ut3 sert pour le violon alto et anciennement pour les voix d'alto. La clé d'ut 1 servait pour les voix de soprano. Ces clés sont utilisées pour l'étude de l'harmonie.
Les autres clés.
Pour que le système des clés soit complet, il faut que toute position sur la portée puisse prendre n'importe lequel des 7 nombs possibles. Cela prendra tout son intérêt pour la transposition et pour la lecture du manuscrit d'une partition ancienne.
On peut aussi parler de la clé de fa troisième ligne et de la clé d'ut seconde ligne. Ces 2 clés reprennent les symboles déjà étudiés et les placent simplement sur d'autres lignes. Elles servent surtout pour la transposition. La clé de sol première ligne qui fut la clé française pour la notation du violon au XVIIème siècle, est aujourd'hui abandonnée.
Les rapports des 7 clés.
Le choix d'une clé se fait en fonction du registre. pour éviter le plus possible de lignes supplémentaires. Il est aussi possible de changer de clé à tout moment.
L'octaviation.
Même en utilisant au mieux les changements de clés, une musique dans l'extrême aigu ou dans l'extrême grave, peut provoquer une lecture malaisée à cause d'une surcharge de lignes supplémentaires. Du coup on pallie la difficulté par les signes d'octava, qui permet d'écrire une musique une octave plus grave que son octave réelle. Si le 8 est remplacé par un 15, la musique est notée 2 octaves plus graves. Ensuite, Octava bassa permet d'écrire une musique une octave plus aigue que son octave réelle.
C'est parfois la clé elle même qui porte un 8 et permet donc de transposer toute la portée d'une octave ( souvent pour les voix de ténor ou de 2 octaves avec le chiffre 15 ( partitions d'orgue par exemple. ).
Les groupes de portées.
Dans les partitions, les portées sont souvent regroupées par ensembles nommés systèmes. Au piano, à la harpe, on utilise le système clé de sol et clé de fa. Les partitions pour quatuor à cordes superposent les portées des 4 instruments. Pour s partitions d'orchestre, chaque instrument a sa portée au sein d'un unique système. Ces portées sont superposées et regroupées par famille grâce à des accolades. De bas en haut : cordes, percussions, cuivres et bois.
BIen lire dans les clés.
Pour s'exercer à lire dans les clés, le mieux est d'utiliser la version cédérom de cette théorie ou d'acquérir un manuel de solfège.
You just know Rachmaninoff could play this by himself, probably while knitting a sweater with his feet.
Many, many thanks t0 THE LIBRARY 0F THE GREAT ARTS. A L0T 0f HUGS. G💖D BLESS Y0U !
When tom and jerry made the whole room into an ice and started skating.
Lol ❤️🔥 love that scene
Le mode blues.
Le mode blues est de base un mode pentatonique.
Mais il peut être utilisé avec quelques notes de passage, dont une chromatique. Il donne le sentiment de partir du second degré du mode pentatonique et d'être de type mineur. C'est la tierce qui donne son caractère principal au mode blues. A savoir mineure dans les mélodies mais majeures dans les harmonies. C'est une tierce majeure ou mineure. La tierce du blues, quand elles est chantée, est souvent intermédiaire entre le majeur et le mineur : c'est l'une des 3 blues notes, les 2 autres étant la quinte diminuée et la septième mineure.
Le mode andalou.
La culture ibérique a connu un grand essor à la fin du XIXème siècle que ce soit via le rayonnement de grands compositeurs espagnols comme Albeniz, de Falla ou Granados ou par l'influence qu'elle a exercé sur ls musiciens français comme Ravel, Bizet ou encore Debussy. La richesse des rythmes et le charme des tournures musicales harmoniques et mélodiques des musiques espagnoles sont les raisons pour lesquelles ces musiques espagnoles ont eu autant de succès. On peut notamment citer le mode andalou qui fut utilisé par bien des compositeurs au début du XXème siècle. Il se caractérise par un tierce mobile pouvant être alternativement voire simultanément majeure et mineure. L'intervalle de seconde augmentée optionnelle entre le deuxième et le troisième degré ainsi que le demi ton au dessus de la tonique sont aussi typiques et originales. A noter qu'il peut être penser comme un mode mineur mélodique descendant dont la dominante serait prise comme tonique.
On peut prendre les exemples du " Le mode andalou " de Raval, Rhapsodie espagnole où le mode andalou transposé sur fa a nettement une fière allure espagnole alors que celui ci, transposé sur sol de l'exemple " Le mode andalou ", Debussy, Quatuor, est plus abstrait, comme une libre improvisation sur un tapis d'ostinatos.
La classification de messiaen.
A noter que Olivier Messiaen a classifié 7 notes, allant de 6 à 10 sons. Fasciné par les impossibilités comme les rythmes non rétrogradables, c'est à dire des rythmes identiques qu'ils soient lus de gauche à droite ou droite à gauche, Messiaen s'est intéressé aux modse de transpositions limitées. Il s'agit des modes ne pouvant pas être transposés 11 fois comme les modse mineurs et majeurs car ils redonnent la forme initiale en moins d'étapes. Dans la liste de 7 modes, on a déjà parlé du mode 1, la gamme par tons, et le mode 2, le mode ton/demi ton. Les modes à transpositions limitées de Messiaen montre les 7 modes de Messiaen et indique le nombre de sons de chacun, plus son nombre de formes distinctes.
La gamme par tons.
On a une gamme par tons instantanément en faisant des notes de passage régulière sur un accord de quinte augmentée car la gamme de tons est formée de 2 accords de quinte augmentée imbriquées. C'est une échelle de 6 sons constituée exclusivement de secondes majeures. L'exception réside dans la tierce diminuée ( enharmonie de seconde majeure ) nécessaire pour retourner à l'octave. La préférence pour les accidents notés, dièses ou bémols, peut souvent varier au fur et à mesure des mouvements mélodiques. C'est une échelle symétrique. Il n'y en a que 2 distinctes car quand on transpose 2 fois de suite l'échelle d'un demi ton, on retombe sur la première. A noter aussi que les 6 sons de l'échelle, plus les 6 sons de l'échelle transposée, totalisent les 12 sons possibles. Pour ces 2 raisons, ce mode est répertorié dans la classification des modes à transpositions limitées de Messiaen : c'est le mode 1. Ce mode peut, comme dans l'exemple " Voiles " de Debussy, créer une atmosphère diaphane, irréelle. Il se suffit dans ce cas à lui même. Une de ses autre Une de ses autres utilisations fréquentes consiste à " noyer le ton ". Le mode a pour utilité de créer dans ce cas une zone floue entre 2 modes ou 2 tonalités. Puis il existe une utilisation inattendue, à savoir quand on altère la quinte d'un accord de septième de dominante, on a un fragment de gamme par tons. Les musiciens de jazz, notamment le pianiste Thelonious Monk, se servent parfois de cette propriété pour jouer une gamme de tons lors des cadences.
Les modes du mineur mélodique ascendant.
De même que les modes peuvent être construits sur les différents degrés de la gamme majeure, ls musiciens de jazz aiment jouer sur les modes utilisant les degrés de la gamme mineure mélodique ascendante. Parmi les 7 échelles possibles à partir du mineur mélodique ascendant, celle partant du septième degré est particulièrement intéressante et se nomme mode altéré. On peut la concevoir comme l'enchaînement d'un fragment de mode demi-ton/ton avec un fragment de gamme par ton. Cette échelle est surtout utilisée pour improviser sur un accord de dominante altéré, d'où son nom. A noter que le mode acoustique étudié avant cela, et pensé comme une échelle évoquant les harmoniques naturels, se construit également en partant du mineur mélodique ascendant. C'est le mode 4.
Le mode ton/demi-ton.
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That Music so Epic 👏👏👏
Imma do a ballet coreography with this thing,the a solo,and its the hell hard.Im here cuz of Your lie in April tho.
Damn this song makes me cry ;^;
I hope Kaori didnt die so Kousei and Kaori can live happily ;^;
Awesome! I just have one request. Can you please post "Sleeping beauty Rose Adagio". The one used in Shigatsu wa kimi no uso anime.
so this is what happens when you put 2 fucking genius together. Fucking amazing.
you don't need to be a genius I can play it with my sister and im only fourteen and my sister is fifteen and we are special......VERY special
Perk lence I mean you didn't compose it. I know Rachmaninoff didn't either but sure they play the piano better than most of the humanity.
true..
You don't need to be the greatest in the piano to compose for 2 hands, all you need is learn about orchestration. That's when you combine two melodies
Well then i'm sure you can compose a piece like ths. Right?
I'm playing this with my friend at my school's talent show.
Eunan nice! I played it for my GCSE
Me as a single player without a friend: leaves.
no one I know plays the piano r.i.p such a beautiful piece
simply Amazing! BRAVO!!
La ronde.
La ronde dure 4 fois plus longtemps qu'une noire. On dit qu'elle vaut 4 noires. La ronde vaut aussi 2 blanches et 8 croches. La ronde est la figure de note la plus simple car elle n'a qu'un ovale évidé. La ronde est l'unité entière principale et toutes les valeurs se réfèrent à elle pour trouver la mesure. Un blanche se définit comme une demi ronde, le noire se déifnit comme un quart de ronde et la croche un huitième de ronde, etc.... Le rôle de la ronde se vérifie dans les différentes figures de notes. La ronde est le dessin le plus simple, à savoir unovale. La blanche se forme en y ajoutant une hampe. La noire en noircissant l'ovale. La croche en ajoutant un crochet. A chaque nouvelle division correspond un nouvel élement visuel ajouté. Lors de l'interprétation d'une ronde, il faut penser à faire vivre sa durée sur 4 temps car il y a souvent une attaque pui un son qui se meurt.
La double croche.
Une double croche est 2 fois plus rapide qu'une croche. On dit qu'une croche vaut 2 doubles croches. La noire vaut 4 doubles croches. La ronde vaut donc 16 doubles croches étant donné que la ronde vaut 4 noires. La double croche se dessine comme la croche en ajoutant un deuxième crochet. Quand une musique itilise des croches et doubles croches, les ligatures deviennent indispensables pour regrouper visuellement les notes. Le nombre de barres d'une ligaure permet de différencier les croches des doubles croches.
Plus bref que la double croche.
La double croche peut à son tour être divisée en 2 triples croches an ajoutant un troisième crochet. La triple croche peut à son tour être divisée en 2 quadruples croches en ajoutant un autre crochet. Une croche vaut donc 2 doubles croches, 4 triples croches, 8 quadruples croches et 16 quintuples croches. Cela veut dire par conséquence qu'une ronde vaut 128 quintuples croches. Les valeure plus petites que lad ouble croches se trouvent surtout dans les musiques lentes dans le cas de phrases très ornementées. Elles sont également souvent liées à des tournures de phrases instrumentales comme des gammes ou des arpèges rapides. Ces gammes étaient souvent nommées dusées dans la musique baroque ( Lully, ouvertures à la français ). On les appelle aussi des traits. Le jazz de style be bop, comme celui de Charlie Parker, aime aussi utiliser des valeurs très brèves. La musique contemporaine demande parfois également qu'une musique soit jouée le plus rapidement possible.
Graphies des ligatures.
Les ligatures regroupant plusieurs notes suivent les règles gouvernant la direction des hampes. Mais quand un groupe possède des notes nécessitant des directions de hampes opposées, le groupe prend la direction de la note extrême. En cas d'égalité, c'est la direction ascendante qui prime. Quand une musique est écrire sur un système de 2 portées, comme la musique pour harpe ou pour piano, il est possible de dessiner une ligature chevauchant les 2 portées. La musique vocale représente une particularité en ce sens pù quand elle est syllabique, c'est à dire quand une syllabe différente est chantée à chaque note, l'usage veut que l'on évite les ligatures et que chaque note garde son propre crochet. Quand elle est par contre vocalisée ( ou mélismatique ), les ligatures mettent en valeur les différentes notes chantées sur la même syllable. Une même phrase chantée peut bien entendu mélager des moments syllabiques et des moments vocalisés.
Plus lent que la ronde.
Une durée peut restée en vigueur jusqu'à une époque baroque : c'est la note carrée valant 2 rondes. Elle tombe ensuite en désuétude à l'époque classique où plus aucune figure de note dépassant la ronde ne sera utilisée : les compositeurs préférant alors utiliser les signes de prolongations. La note carrée est dessinée comme un rectangle dont les 2 côtés verticaux dépassent légèrement. Les musiques de la Renaissance et de l'époque baroque utilisaient fréquemment des tempi très rapides, donnant tout son intérêt à cette figure de note qui allait par la suite être abandonnées.
Nouvelles notations de durées.
Au XXème siècle de nouvelles graphies de durées se sont généralisées. Certaines servent à noter des figures rythmiques qui accélèrent ou ralentissent indépendamment du temps.
Le goût pour des groupes de notes répétées, semi improvisés, a conduit à désolidariser les hampes des têtes de notes. Déjà employée dans le Kammerkonzet de Ligeti, cette technique est présente dans le premier Quatuor à cordes de Michael Lévinas.
Les silences.
Admit it, you sang the Disney lyrics in your head.
Es bellísimo 🥲😭
i so love youuuuuuuuuuu
Listes des musiques
à jouer au piano.
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Listes des musiques jouées au piano
pianistes classiques célèbres : Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven, Claude Debussy, Antonio Vivaldi, Frédéric Chopin, Piotr Ilitch tchaikovsky, Jean Sébastien Bach, Robert Schumann, Sergueï Rachmaninov, Franz Liszt, Maurice Ravel, Wagner,Franz Schubert
pianistes d’aujourd’hui : Lucas Débarque, Valentina Lisitsa, Christoph Eschenbach, Lang Lang, Hans Zimmer, John Williams, Yann Tiersen, Ludovico Einaudi, Ievgeni Kissine, Yiruma, Yeol Eum Son, Chris Martin, Matthew Bellamy, Elton John, Aretha Franklin, Alexia Kley
Le beau danube bleu
everybody love somebody
la marseillaise
can can
dance of the sugar plum fairy
le sud
Bad christmas
all I want for christmas is you
toreador
dance of the knights
eine kleine
ode à la joie
twinkle twinkle little star
Star wars
titanic
harry potter
mission impossible
requiem for a dream
les dents de la mer
jurassic park
indiana jones
pirates des caraibes
la panthère rose
les simpsons
avengers
the godfather
transformers
game of thrones
interstellar
la la land
the suicide squad
rocky
l’odyssée de l’espace
LUDWIG VAN BEETHOVEN
your lie in april is an anime and they played this song in one of the scenes so that is why everyone is talking about it. I knew this song waaay before your lie in april.
Remember doing this for GCSE Music with my friend. I heavily underestimated the piece when I heard the name and uh well...
It took some time.
Please tell me there’s someone else here from Your Lie in April 😂
Edit: nvm, everyone’s here from Your Lie in April from what I can tell from the comments
I'm here from Tom and Jerry
Your lie in April brought like an extra 10% classical music lovers (dead not included).
Yeah me man😀
I'm so glad that Your Lie In April is bringing more people towards classical music. Isn't it gorgeous? I could listen to it all day, full of emotion and relaxing at the same time.
I wanna have one pianist to play this peace together, i'm sure that's one of the happiness times of two. This will be greater when i play the peace with the pianist girl, dreaming that momments, i wanna have one pianist friend, it's great, we can learn and play piano's peaces together for times... i'm trying to translate that waltz for the one piano and i can play alone. It's ok too😉😉😉
Oh man the feels